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Music

IN CONVERSATION WITH: 505

words: Tatiana Tardio

08.05

IN CONVERSATION WITH: 505

IN CONVERSATION WITH: 505

Negli ultimi anni, Berlino ha smesso di essere soltanto un simbolo della club culture europea per diventare qualcosa di più ambiguo: una città dove l’urgenza creativa continua a sopravvivere, ma spesso schiacciata tra l’aumento dei costi, la standardizzazione culturale e un’industria musicale sempre più dipendente dalla velocità. È dentro questa tensione che nasce il progetto dei 505 — non come risposta nostalgica a un passato idealizzato, ma come tentativo di rallentare il processo creativo abbastanza da lasciare spazio all’ascolto, all’improvvisazione e all’errore.

Formato da Daniel e Mattia, il duo prende forma all’interno della stanza 505 di un edificio di studi musicali nell’est della città, trasformando quello spazio in una sorta di laboratorio aperto dove jazz contemporaneo, elettronica, trip-hop e ambient convivono senza gerarchie precise. Il loro debutto, True at First Light, è il risultato di oltre tre anni di produzione, conversazioni, ripensamenti e collaborazioni internazionali: un disco che rifiuta la logica dell’immediatezza per costruire invece un’esperienza sonora lenta, stratificata e profondamente immersiva.

Più che inseguire l’idea contemporanea di “contenuto”, i 505 sembrano interessati a creare contesto: uno spazio in cui musicisti provenienti da background diversi possano incontrarsi senza dover semplificare il proprio linguaggio. In questa conversazione, il duo racconta il processo dietro True at First Light, il rapporto con l’improvvisazione, il ruolo della Berlino di oggi e la necessità di produrre musica che chieda ancora tempo, presenza e attenzione reale da parte di chi ascolta.

Da dove nasce la vostra collaborazione? Qual è stata la scintilla iniziale che vi ha portati a lavorare insieme e quale necessità – artistica o personale – vi ha spinto a creare True at First Light come progetto condiviso? Inoltre, ci raccontate il significato del titolo e perché avete scelto proprio questo nome per l’album?

La nostra collaborazione è nata a Berlino nel 2020 grazie al sassofonista Gianni Denitto, un amico comune che intuì subito le nostre affinità musicali. Fin dal primo incontro fu chiaro che viaggiavamo sulla stessa lunghezza d’onda; così, dopo poco, abbiamo iniziato a fare musica insieme e a condividere lo stesso spazio: la stanza 505 di un edificio nell’est di Berlino che ospita esclusivamente studi musicali. È in quel perimetro che abbiamo iniziato a far dialogare i nostri background: quello di Daniel, profondamente legato al jazz, e quello di Mattia, radicato nell’elettronica e nella club culture.

È proprio da questa unione che prende vita 505: non è solo il nome della nostra band o il numero di una stanza, ma un ecosistema creativo in cui la musica viene concepita, dove invitiamo gli artisti a registrare e dove ogni nostra idea o direzione prende forma. Vogliamo che chi si avvicina al progetto percepisca il “505” come un porto sicuro per la sperimentazione.

Ci sono voluti oltre due anni per definire un linguaggio comune e un suono che ci rappresentasse davvero. Abbiamo sperimentato e prodotto moltissima musica, spesso cestinandola, prima di arrivare alla visione sonora di quello che è oggi il progetto. Per noi era fondamentale costruire un ponte tra il jazz e l’elettronica, generi che storicamente hanno sempre accolto l’improvvisazione.

Dopo questo lungo periodo di trial and error, è nato l’album True at First Light. Il titolo è un prestito dall’omonimo romanzo postumo di Hemingway: ci affascinava l’idea dell’autenticità che si rivela solo quando arriva la luce del giorno, dopo l’oscurità della notte. Esattamente come succede con questo disco: l’ascoltatore ne afferra il senso profondo solo dopo esserci passato attraverso, lasciandosi trasportare nell’incedere dei brani.

Abbiamo letto che il disco ha richiesto circa tre anni di lavoro. In un’epoca in cui la produzione musicale è sempre più veloce, cosa ha significato per voi prendervi questo tempo? È stata una scelta consapevole di lentezza o una conseguenza naturale del processo creativo?

La verità è che, sebbene inizialmente volessimo seguire una deadline precisa, alla fine ci siamo resi conto che per il bene del progetto non era possibile. Nonostante i tool digitali possano semplificare la produzione, noi siamo meticolosi su ogni micro-elemento di ogni traccia. Non c’è spazio per la fretta: crediamo che questo ragionamento dovrebbe essere alla base di chiunque voglia lasciare un segno.

Non ci siamo mai posti il limite di una scadenza, puntando tutto sullo sviluppo di un’identità sonora che fosse credibile e riconoscibile. Questo tempo dilatato è dovuto anche al confronto costante con Nicola Fanari, produttore artistico e figura fondamentale che ci ha aiutato a tirare fuori il meglio da ogni brano.

Oltre alla musica, abbiamo speso molto tempo a conversare su ciò che avevamo in testa per capire come raggiungerlo. Infine, le numerose collaborazioni con musicisti residenti in altri paesi europei e oltreoceano ci hanno imposto un metodo di lavoro a distanza che necessita di tempistiche proprie, che difficilmente puoi forzare.

Quanto vi sentite in dialogo – o in contrasto – con la velocità dell’industria musicale contemporanea? Pensate che oggi si produca “troppo” e si ascolti “meno”? In che modo questo album si posiziona rispetto a questa dinamica?

La velocità dell’industria schiaccia chiunque voglia starle dietro. Non vogliamo far parte di un sistema che trasforma la musica e gli artisti in “contenuti” costanti; non è così che vogliamo esprimere la nostra creatività. Il nostro obiettivo non è seguire le mode o gli algoritmi: non cerchiamo un milione di fan disattenti, ma un’audience che voglia crescere con noi. Più che produttori, oggi vediamo molti “ascoltatori passivi”.

Viviamo in una società influenzata dalla filosofia del “sempre più veloce”, il che comporta inevitabilmente un abbassamento della qualità e della capacità di ascolto. Il nostro album si colloca fuori da queste dinamiche: essendo un lavoro multiforme, se l’ascoltatore salta in pochi secondi da un brano all’altro — come ormai siamo abituati a fare nello streaming — non ne coglie il focus.

L’ordine dei brani è studiato per portarti in giro, salendo in alto o scendendo in spazi rarefatti. Chiediamo agli ascoltatori di prendersi il tempo di ascoltarlo, e non di utilizzarlo come semplice sottofondo musicale.

Quali sono state le principali ispirazioni dietro True at First Light? Ci sono riferimenti musicali, culturali o personali che hanno influenzato il suono del disco?

La nostra musica si ispira al trip-hop della scena UK anni ’90-2000, al jazz moderno e all’elettronica sperimentale. I nostri riferimenti sono stati principalmente i Massive Attack, ma i nostri background individuali hanno inciso tantissimo. True at First Light è il punto d’incontro tra i nostri gusti affini: ogni brano è diverso dall’altro, dai ritmi incalzanti alle melodie sognanti, includendo pop, rap e jazz.

Tutto questo è stato possibile grazie alla pletora di featuring nel disco: la loro voglia di mettersi in gioco ha dato all’album un valore aggiunto inestimabile, definendo l’identità precisa dei 505.

Che ruolo ha l’improvvisazione nel vostro lavoro insieme? E in che modo possiamo riconoscerla all’interno di questo album?

L’improvvisazione è l’elemento primordiale da cui nasce quasi tutto il materiale creato nel nostro studio. Anche se i brani hanno strutture definite, molti temi sono porzioni di lunghe take improvvisate che abbiamo selezionato e rimodellato.

Ad esempio, in Neve, la tromba di John-Dennis Renken è frutto di diverse take improvvisate; sembra tutto scritto, ma non lo è. Nella title track True At First Light, il riff di synth iniziale è nato da sessioni istintive sullo strumento.

In Something Dies ft. Lamia, gli effetti dell’intro sono estrapolati da svariate take di Bob Meanza che ha processato le nostre batterie, mentre il piano del ritornello è stato interamente suonato liberamente da Michele Cavallari. L’improvvisazione è il seme, la produzione è la forma finale.

Nel disco troviamo numerose collaborazioni con musicisti provenienti da mondi diversi. Da dove nasce la scelta di aprire così tanto il progetto ad altre presenze e come avete selezionato gli artisti coinvolti?

Volevamo che il disco non fosse confinato ai nostri soli strumenti; avevamo chiaro in testa il suono che cercavamo ed è stato naturale chiamare diversi musicisti. Una volta prodotte le basi, abbiamo capito quali spazi restavano aperti e abbiamo assegnato ogni artista al brano perfetto per il suo “vibe”.

Alcuni erano già nella nostra cerchia, altri sono stati contattati personalmente perché sentivamo che avrebbero svoltato il pezzo. Nonostante le diverse provenienze — USA, Italia, UK, Finlandia, Germania — si è creato un clima magico all’interno della stanza 505. Abbiamo fatto parlare la musica senza forzature, trovando un linguaggio comune naturale.

La scelta di produrre il disco anche in vinile oggi è sempre più simbolica oltre che materiale. Cosa rappresenta per voi il formato fisico?

Il vinile è un simbolo e una testimonianza: chi lo compra decide di darci spazio nella propria collezione e di supportarci davvero. Per ascoltare un vinile servono tempo e modo, non basta premere play su un’app.

Oltre al valore affettivo — vederlo esposto in casa come un quadro o un talismano — rappresenta un legame concreto tra artista e pubblico. Invitiamo chi apprezza la musica a possedere un oggetto fisico, che ha un valore che va ben oltre quello economico.

Ci raccontate l’artwork dell’album? Qual è la visione estetica che lo accompagna e in che modo dialoga con il suono e con il titolo?

Tutto ruota intorno al logo di 505 al centro della cover. È stato realizzato da Matto Matteo durante la nostra performance alle Kantine am Berghain nel 2025, dove lui e Tommaso Stingo proiettavano le nostre sagome e dei font in movimento. Riguardando i video del live, abbiamo isolato un font che ci sembrava familiare e abbiamo aggiunto profondità e una texture dorata, simbolo per noi del jazz.

Per quanto riguarda l’immagine astratta dell’artwork, abbiamo cercato di avvicinarci il più possibile a quello che 505 rappresenta nel nostro immaginario: un insieme di mondi paralleli in cui esistono realtà multiformi, ognuna con caratteristiche diverse. È così che, dopo numerosi giorni passati a formulare prompt improbabili con l’AI, è emersa l’immagine finale della copertina, successivamente rielaborata da Matteo Matteo per dare uniformità al tutto.

Berlino è stata per anni un epicentro culturale e musicale. Dal vostro punto di vista, come è cambiata la scena negli ultimi anni? Vi chiediamo una vostra lettura della Berlino di ieri e di quella di oggi.

Dal 2020 Berlino ha accelerato dei processi che l’hanno trasformata. Il rincaro dei costi spinge molti a cercare vie alternative all’arte; vivere dignitosamente con “mille euro” al mese non è più possibile.

C’è stato anche un ricambio generazionale: chi va nei club oggi ascolta musica più veloce e frenetica, mentre il pubblico più “adulto” preferisce concerti o eventi pomeridiani. Nonostante questo, esiste una Berlino che resiste, che vuole fare rete e dimostrare che il multiculturalismo funziona. C’è ancora voglia di non lasciare nessuno indietro. La cultura resta, ed è fondamentale non lasciare che la città si svuoti di ciò che l’ha resa un epicentro mondiale di libertà e sperimentazione.

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