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Music

IN CONVERSATION WITH: Furtherset

words: Nicola Sabatini

05.11

IN CONVERSATION WITH: Furtherset

IN CONVERSATION WITH: Furtherset

Tommaso Pandolfi, in arte Furtherset, è uno degli artisti emergenti che tiene più viva la fiamma della scena elettronica italiana. In occasione dell’uscita del suo ultimo album, The Infinite Hour, pubblicato lo scorso 13 ottobre per l’etichetta svizzera -OUS, ci ha concesso una breve intervista.

The Infinite Hour sembra un album frutto di intenti netti e ben definiti: già dai primi minuti di ascolto, è infatti abile a rapire l’ascoltatore con un’autorevolezza quasi sorprendente.

Senza cedere ad alcun bisogno di nascondersi, le sei tracce che compongono il disco sembrano voler inaugurare un viaggio onirico attraverso la cruda potenza del suono, costruendo un immaginario intenso e catalizzante in poco meno di 40 minuti.

Mentre sonorità avvolgenti e a tratti futuristiche ci inghiottono rapidamente, si ha l’impressione di trovarci immobili al centro di equilibri in continua metamorfosi – una stasi schizofrenica che si distingue dal caos, ma della quale non riusciamo subito a decifrare i codici profondi.

Accontentandoci di raccogliere i numerosi segni sensoriali e graffi emotivi offerti da ogni traccia, l’unica opzione possibile resta l’abbandono sincero e completo.

È a quel punto – vinte le resistenze di un orecchio cronicamente sovrastimolato – che si svela l’autentico potenziale di The Infinite Hour: spazio e tempo diventano funzioni malleabili nel contesto di un ascolto profondo, dove ogni singolo suono rappresenta una variabile espressiva in continua evoluzione.

Queste sonorità quasi demiurgiche catapultano l’ascoltatore in un viaggio sinestetico, dove ascolto e visione si mescolano, restituendo un immaginario metafisico di grande intensità, espresso da suoni abilmente catartici.

Il caos diventa armonia, i contrasti si fanno interazioni.

t-mag_Tommaso-Pandolfi-aka-Furtherset_Nicola_Sabatini — Tommaso Pandolfi aka Furtherset

È raro trovare artisti con una visione poliedrica come la tua (musicista, disegnatore). Puoi darci un’idea del tuo processo creativo?
Le due pratiche che porto avanti, quella di compositore e di artista visivo, si muovono su due vie abbastanza separate. Sono due strade parallele che, diciamo, si incontrano solo quando necessario. Non faccio musica pensando a come dovrà rispondere visivamente, e non penso ai lavori visivi come qualcosa che deve avere per forza un risvolto musicale. Cerco di mantenerle il più separate possibile. Questo perché non voglio creare l’immagine dell’artista che fa tutto. Cerco di fare musica che possa reggere da sola, senza bisogno di immagini.

Allo stesso modo, quando creo disegni o lavori visuali, li penso come oggetti esistenti, indipendentemente dalle loro interazioni con la musica. Tuttavia, a volte, per esigenze di presentazione visiva e dinamiche di immagine, queste due sfere possono incontrarsi. Nella pratica quotidiana, solitamente rimangono separate, e si fondono solo quando è necessario.

La tua produzione è ricca di riferimenti culturali molto diversi, anche letterali. Ci sono modelli musicali o artistici che ti hanno influenzato in modo significativo?
Quando mi chiedono chi sono i miei modelli, spesso mi imbarazzo… se mi trovassi costretto a definire il mio suono, sarebbe qualcosa a metà tra Ben Frost e Tim Hecker. Negli anni loro sono stati sicuramente i due modelli in cui mi sono sempre rivisto maggiormente, gli esempi che mi vengono in mente subito.

Poi, ci sono tutta una serie di ascolti che possono sembrare quasi “schegge impazzite” rispetto a quello che faccio. In generale ascolto tantissima musica e le coordinate sono sempre molteplici: prima dell’intervista stavo ascoltando gli Spiritualized, ieri mattina Bach. Ascoltando una vasta gamma di generi, non posso dire che ci siano modelli specifici.

Penso più a cosa funzionerà meglio per il mio lavoro, che comunque è diverso dalla musica “da radio”, e a come posso creare qualcosa di unico. Negli ultimi in anni in realtà, ho più riferimenti letterali che musicali, do molta importanza all’ispirazione che ricavo dalla lettura.

Ad esempio, il titolo del brano “The Stream of Time on Stone Dreams” si ispira direttamente a un’opera del poeta russo Velimir Chlebnikov.
Sì, esattamente. In testa ho uno zibaldone di termini ed espressioni che potrebbero funzionare come titoli per le mie opere. Quando cerco i titoli, spesso li trovo mesi dopo aver completato la musica. Provo a riflettere su quello che ho letto catturando l’essenza di ciò che ho provato durante lettura.

Penso ai titoli degli album come se fossero dei capitoli nell’indice di un libro. Voglio che abbiano una poetica a sé stante, che siano essenziali, ma che riflettano anche una serie di significati e direzioni diverse. I titoli aggiungono un livello di complessità alla mia musica.

Voglio far sì che siano diretti e sintetici, ma allo stesso tempo che funzionino anche come “prismi”, per riflettere molteplici direzioni e significati.

Hai collaborato anche con altri artisti e collettivi, come “IperCubo” (collettivo editoriale veneziano). Quanto valuti il confronto creativo rispetto a un approccio più intimo?
La mia pratica è aperta, ma rimane principalmente uno studio solitario. Quando lavoro sulla musica, spesso non c’è molto spazio per il dialogo, tranne con poche persone. È vero, ci sono momenti in cui il dialogo è fondamentale, come quando ho dovuto collaborare con curatori per mostre o pubblicazioni. In questi casi, il dialogo diventa necessario, ma cerco comunque di non affidarmi a troppe opinioni o consigli diversi: preferisco contare su poche persone di fiducia.

In un certo senso, la collaborazione è più una necessità che viene dopo, piuttosto che una parte integrante del mio processo creativo. La musica per me è una pratica più personale e intima, mentre l’arte visiva spesso richiede un dialogo più diretto, ma cerco sempre di trovare un equilibrio tra le due.

Come descriveresti il tuo approccio all’esibizione live?
Per quanto riguarda le performance live, dal 2020 cerco di suonare al massimo due brani dal vivo. A partire dallo scorso anno invece, ho deciso di suonare solo un brano, ma in una versione estesa che dura tra i 40 e i 50 minuti. Questo perché cerco di approfondire la pratica dell’ascolto. Utilizzo questo termine in senso letterale: cerco di consentire un ascolto profondo a me stesso e al pubblico.

Preferisco concentrarmi su un singolo brano, creando una narrativa continua, piuttosto che saltare da un brano all’altro. Questo mi permette di esplorare come un brano singolo possa essere scomposto e ricomposto per le performance live, creando nuovi elementi che non esistono nell’originale.

Questo approccio aggiunge anche un elemento di sorpresa e imprevedibilità all’esperienza del pubblico. Mi annoio quando sento che qualcosa viene riproposto esattamente come nel disco: vorrei sempre aggiungere un tocco inaspettato.

Quasi un arricchimento, quindi.
Esattamente, è come un arricchimento. In più, c’è anche un elemento di pentimento.

La preparazione dei materiali per le performance live richiede molto tempo, spesso dai 2 ai 3 mesi all’anno. È un periodo in cui non produco altra musica, e mi costringe a riflettere sugli elementi che ho creato. Scomponendo i brani e rimontandoli per il live, spesso mi rendo conto di nuove possibilità e di come avrei potuto fare le cose diversamente.

Questo processo diventa un metodo per evitare di pentirmi di ciò che ho fatto, e allo stesso tempo, ciò che imparo influenza la mia produzione musicale futura.

In sostanza, Il live è sia un modo per esplorare e arricchire il mio materiale esistente sia per creare esperienze uniche per il pubblico. Mi piace offrire al pubblico qualcosa di diverso rispetto alla registrazione in studio.

In questo senso, preferisci suonare in luoghi più intimi e raccolti o in location più grandi, come i festival?
Le preferenze personali sono un po’ complesse. Cerco di preparare le performance live in modo che possano adattarsi a entrambe le situazioni. In base al luogo in cui mi esibisco, cerco di comprendere cosa funzionerà meglio.

Ad esempio, se sto suonando in un piccolo spazio con 40 persone, posso scegliere di creare un’atmosfera più intima e coinvolgente. D’altra parte, in luoghi più grandi, spesso cerco di creare una parete di suono che possa avere un effetto conturbante o sorprendente.

Le dinamiche possono aiutare in entrambi i casi; un grande muro di suono a volte può anche essere usato per “silenziare” un pubblico troppo rumoroso. Ma il luogo stesso ha un impatto significativo sull’ascolto. Ad esempio, suonare in una chiesa può amplificare l’esperienza e aggiungere un elemento sacrale, suggestivo.

Dipende molto dal contesto: in generale, anche adattando la performance alle situazioni specifiche, cerco di creare un’esperienza unica e coinvolgente per il pubblico, indipendentemente dal luogo.

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