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In Focus: Rewire Festival | AISHA DEVI

A poche settimane dalla performance a Rewire, Aisha Devi offre uno sguardo profondo nel suo mondo artistico ma soprattutto in quello spirituale. Esplorare la sua musica e la sua pratica ci permette di affrontare i temi dell’immortalità, della ricerca della trascendenza e del ruolo della musica nel contesto dell’iper-materialismo contemporaneo. La sua visione funge da ponte verso un regno intangibile fatto di percezioni e consapevolezze superiori. I suoi live, concepiti come esperienze collettive e transformative, ci conducono verso una dimensione eterea. Ad arricchire questa narrazione, è la collaborazione con Emmanuel Biard per la performance “Le Immortales”.

‘Les Immortelles’, il tuo show a Rewire, porta con sé un nome che evoca un viaggio nel regno ultraterreno. Come interpreti l’immortalità e in che modo questo tema influenza la tua musica, soprattutto nel tuo ultimo album? Come credi che la tua musica sia in grado di aiutare le persona a riconsiderare l’esistenza e l’eternità?

Ritengo che la nostra civiltà sia giunta all’apice dell’iper-materialismo. Da sempre gli esseri umani avvertono qualcosa che vada al di là del mondo materiale, ma è come se ne avessero perso il legame . Uno dei miei obiettivi nella musica è rivelare il regno intangibile e riconnetterci con esso. L’iper-materialismo ha offuscato la nostra percezione dell’immortalità e il mondo sta diventando sempre più malato, e intrappolato nel 3D.

Mi considero una sorta di metafisica, con l’obbiettivo di plasmare la percezione delle persone, inducendo uno stato simile a quello di una trance che porti alla dissoluzione dello spazio-tempo e renda possibile la inter-penetrabilità tra i piani. La mia esplorazione coinvolge alchimia, rituali e saggezza ancestrale, puntando alla rivelazione della trascendenza. Queste pratiche, sebbene sottovalutate nel mondo occidentale, mirano ad elevare la nostra coscienza.

Molte persone, me inclusa, affrontano sfide legate alla salute mentale. Ci troviamo a dover conciliare il materialismo con l’idea di immortalità, percependo l’esistenza in un altro piano ma mancando di esperienze tangibili nella società mainstream. Per questo motivo, le persone cercano spettacoli, musica e attività che rispecchino la loro interiorità, e gli permettano di accedere alla loro immaterialità e all’essenza infinita e immortale innata.

In questo mondo che ci intrappola più che mai, spesso il concetto di salute mentale viene trattato attraverso la musica. Per te, questa sorta di “terapia” è sempre stata un elemento costante nel tuo approccio al fare musica.

Credo di essermi inizialmente avvicinata alla musica perché mi sentivo inadeguata nel mondo. Ho iniziato a fare musica perché ero semi-orfana, cresciuta da mia nonna in un contento violento. Il dolore è stata la mia principale ispirazione. Mi sono sentita esogena ed emarginata in questo mondo fin dal principio. Quindi, l’essenza della mia vita è sempre stata quella di cercare approvazione.

Penso che questo sia un punto di partenza comune per molti artisti: il senso di inadeguatezza e il desiderio di creare il proprio universo. Così, il primo atto di fare musica è stato un’affermazione di sé, un modo per convalidare e ricreare se stessi. La creazione è un atto di sfida contro la propria nascita e un sistema opprimente. Ho costruito un mondo parallelo a cui poter appartenere, e ora le persone vogliono entrarvi perché offre rifugio. Fondamentalmente, stiamo costruendo un sistema alternativo.

La tua musica sembra costruita apposta per i live. Il mondo parallelo che costruisci sul palco è il tuo rifugio, il tuo santuario e inviti il pubblico a farne parte. Come percepisci questa interazione tra il performer e il pubblico e che significato attribuisci all’energia collettiva nell’unirci in questo grande viaggio cosmico?

Il mio obbiettivo è ribaltare l’idea del performer come apice della piramide. Voglio che la mia performance sia un’esperienza collettiva. Tuttavia, come hai accennato, questo è un processo studiato in maniera consapevole. Investo tutte le mie competenze e conoscenze, utilizzando varie tecniche sonore per creare un universo musicale che avvi un processo di guarigione. Costruisco un mondo di frequenze in cui le persone si possano sentirsi libere di ballare e di esprimersi. Non concepisco più le mie performance come unilaterali, ma piuttosto come un’ascensione multiforme verticale come iniziazione alla leggerezza e come cura dalla gravità.

Certamente, la scenografia e tutti gli elementi visivi sono parte integrante della performance, e arricchiscono e supportano il messaggio che vuoi trasmettere. Potresti dirci qualcosa di più sulla collaborazione con Emmanuel Biard?

Questo progetto si intitola ‘Les Immortelles’, che significa ‘gli immortali’ in francese. La collaborazione con Emmanuel Biard è stata fondamentale, ha subito colto l’essenza del progetto. Non sono state necessarie grandi spiegazioni in quanto ci siamo intesi fin da subito rispetto ai concetti che stavamo esplorando. Il mio obiettivo era guidare il pubblico attraverso un’odissea omni-dimensionale, che culminasse nell’illuminazione. Ho immaginato effetti specifici nella musica per indurre stati simili a un trance, che Emmanuel ha trasformato in elementi visivi. La fusione tra percezione sonora, visiva e fisica crea una forza dinamica, accompagnando questo viaggio del pubblico verso la trascendenza.

Un altro tema fondamentale è quello della tecnologia. Con il progresso tecnologico, ci si distacca sempre di più dal presente, e si tende ad esplorare più a fondo la coscienza. Come credi che evolveranno la tua musica e le tue performance parallelamente a questi cambiamenti?

Sono affascinata dal modo in cui la tecnologia oggi solleva interrogativi metafisici. Il mio brano “I’m not always where my body is” parla proprio di questo. Osservare le persone immerse in mondi virtuali e completamente esistervi nonostante non siano fisicamente presenti è una buona dimostrazione della nostra probabile essenza immateriale e dell’appartenenza all’intangibile. Mentre le esperienze fisiche offrono appagamento, le esperienze virtuali incarnano l’eternità, con la potenzialità di espandere il cervello umano. La virtualità è il modo moderno di OBE e una riconnessione all’onnipresenza e all’immortalità. Il futuro della virtualità dipende dalle sue intenzioni. Può portare a una profonda evoluzione della coscienza o alla rovina.

Credo che il problema non risieda nel mezzo stesso, ma in come viene utilizzato, il che può influenzare le connessioni sinottiche e il DNA delle persone. Il vecchio mondo occidentale sta crollando, poiché passeremo dalla vecchia scuola dell’iper-materialismo a una nuova era di coscienza dimensionale. Tuttavia, questa transizione potrebbe portare a sfide crescenti per la salute mentale, poiché adattarsi a questo cambiamento sarà difficile.

Qual è il tuo rapporto con la scena clubbing oggi?

La club culture è il mio rifugio, organizzo rave in Svizzera da quando ero adolescente. I rave costituiscono l’essenza della cultura dei club e questi ultimi emulano l’esperienza all’aperto con la loro struttura luminosa, stroboscopica, fumo, laser… l’intero allestimento del club è solo una simulazione del cosmo. I club sono uno degli ultimi spazi moderni comuni e rituali, uno spazio sicuro per la comunità degli emarginati e queer e credo che si rafforzerà come un territorio polimorfo che fonde tutte le forme di creazione.

Quando entri in un club o partecipi ad un concerto, è come se entrassi in un mondo parallelo. Dopo aver partecipato ad una delle tue performance, cosa speri che le persone si portino a casa?

Amo l’idea che la musica continui a risuonare in loro e produca esplicitamente certi suoni che risuoneranno nelle ossa, negli atomi e nel DNA delle persone per molto tempo dopo lo spettacolo. E’ l’idea di una guarigione continua.

E cosa pensi dei festival come Rewire in cui ci si ritrova immersi senza sosta in una performance dopo l’altra?

Amo i festival per la loro varietà, ognuno offre un’esperienza unica. La natura interdisciplinare dei festival, e il passaggio tra linguaggi musicali differenti, dove convergono diverse forme d’arte, stimola sia il corpo che la mente, offrendo una pausa dalla routine e aprendoci a nuove prospettive. Per me, il futuro del raving è interdisciplinare e sfaccettato.

Ultima domanda: se potessi scegliere un luogo ideale, reale o di fantascienza, dove esibirti dal vivo, quale sarebbe?

L’Etere. L’essenza della mia musica incarna l’etereo. L’Etere rappresenta lo spazio della quinta dimensione, è la radice dell’eternità. Simboleggia il superamento dello spazio-tempo e della gravità, una dimensione di pura leggerezza. Il mio intento è immergermi completamente nell’Etere, da cui deriva il termine “aether-rave” con cui definisco la mia musica, unendo il concetto alla radice sanscrita di “rave”, che significa suono o rumore. Questa connessione riflette il mio interesse per l’etimologia, armonizzando il suono dell’ether-rave con quello dell’infinito.

Curated by: Alice Suppa

Photography: Francesco Bartoli Avveduti