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IN FOCUS: FERGUS JONES | FUORIFESTIVAL

words: Tatiana Tardio

14.07

IN FOCUS: FERGUS JONES | FUORIFESTIVAL

IN FOCUS: FERGUS JONES | FUORIFESTIVAL

Alcuni spazi non si limitano ad ospitare una performance: trasformano attivamente il modo in cui la musica viene percepita, creando una relazione tra suono, architettura e memoria collettiva. Il 4 luglio 2026 Fergus Jones si è esibito alla Spoletosfera nell’ambito di FuoriFestival a Spoleto, portando il suo approccio istintivo e aperto al DJing all’interno di una delle strutture culturalmente più significative della città.

Progettata dall’architetto e visionario statunitense Richard Buckminster Fuller, la Spoletosfera fu costruita e donata alla città nel 1967, in occasione della decima edizione del Festival dei Due Mondi. La cupola geodetica nacque all’incrocio tra architettura, ingegneria e pensiero utopico: una struttura leggera e autoportante, composta da elementi triangolari interconnessi, priva di pareti interne e pilastri di sostegno. Il suo arrivo a Spoleto contribuì ad ampliare quel dialogo tra antico e contemporaneo che aveva già definito l’identità culturale della città, in particolare attraverso la storica mostra del 1962 Sculture nella città.

Nel corso dei decenni, la Spoletosfera ha ospitato happening, installazioni, concerti e performance sperimentali. Fuller stesso la inaugurò con una conferenza sulla meccanica razionale e con alcune dimostrazioni da lui definite “balletti della mente”; nel 1968 divenne invece il teatro della monumentale piramide di ghiaccio di Mario Ceroli, sormontata da una sfera di fuoco in movimento. La cupola, quindi, non è mai stata semplicemente un oggetto architettonico, ma uno spazio in cui discipline, materiali e temporalità differenti possono entrare in collisione.

ph: Dimitri D’Ippolito

Ascoltare Fergus Jones suonare al suo interno è apparso particolarmente significativo. Artista scozzese con base a Copenaghen, precedentemente conosciuto come Perko, Jones è anche il fondatore di FELT, etichetta e piattaforma progettuale concepita come uno spazio aperto per artisti, idee e linguaggi musicali interconnessi. Come la struttura di Fuller, anche la sua pratica si costruisce attraverso le relazioni: tra suoni apparentemente distanti, tra visioni artistiche individuali e una comunità più ampia, tra scelte istintive capaci di generare, nel loro insieme, una forma coerente.

Partendo dalla sua performance alla Spoletosfera, abbiamo parlato con Fergus dell’influenza degli spazi sulla musica, del DJing inteso come forma di servizio, della differenza tra ascoltare e consumare, della fiducia alla base di FELT e delle esperienze fugaci che hanno dato forma al suo album Ephemera. Al centro della conversazione emerge un’idea semplice, ma sempre più radicale: la musica non è uno sfondo, bensì una relazione viva tra un luogo, le persone che lo abitano e il momento che insieme riescono temporaneamente a creare.

Spoleto è un luogo in cui secoli di storia convivono con pratiche artistiche contemporanee, creando un dialogo tra temporalità differenti. Come artista che si esibisce costantemente in contesti diversi in tutto il mondo, quanto pensi che un luogo possa influenzare non solo una performance, ma anche la relazione emotiva tra l’artista, il pubblico e la musica stessa?

Penso che una performance sia sempre legata al contesto. Trovo interessante osservare come musiche diverse funzionino in spazi differenti; è qualcosa che tengo sempre in considerazione quando affronto un DJ set o una performance dal vivo, soprattutto quando cerco di capire fino a che punto posso spingermi. Mi piace giocare con le aspettative in questo modo. I ricordi più belli che ho come DJ sono quelli in cui ho suonato qualcosa di inaspettato, ricevendo comunque una buona reazione dalla pista. In generale, il pubblico è molto più aperto di quanto tendiamo a pensare.

Nel corso degli anni il tuo lavoro si è mosso tra produzione, DJing, curatela e costruzione di una comunità. Quando oggi ti metti dietro la consolle, quale senti che sia realmente il tuo ruolo? Raccontare una storia, creare uno spazio emotivo condiviso, stimolare una riflessione, oppure la tua idea di performance è diventata qualcosa di completamente diverso?

Nella maggior parte dei casi suono in contesti da club, dove credo che il mio ruolo principale sia quello di sostenere la festa e il flusso della serata. In questo senso cerco di non pensare troppo a ciò che faccio come a un atto performativo, ma piuttosto come a un lavoro di servizio, sullo stesso piano di quello del bartender o del personale del guardaroba. Detto questo, continuerò sempre a suonare esattamente la musica che voglio, tenendo però presente che ciò che faccio dovrebbe contribuire al clima e all’atmosfera della serata.

L’ascolto viene spesso considerato un’attività passiva, ma il tuo lavoro suggerisce una relazione con il suono molto più attiva e intenzionale. Come si è evoluto negli anni il tuo modo di intendere l’ascolto e che cosa pensi rischiamo di perdere quando la musica viene sempre più consumata, invece che vissuta?

L’espressione “ascolto passivo” mi è sempre sembrata un ossimoro. Preferirei non ascoltare nulla, piuttosto che tenere della musica in sottofondo. Trovo anche un peccato relegare alcuni dischi al ruolo di “musica di sottofondo”, a meno che non sia quella l’intenzione esplicita dell’artista.

Attraverso FELT hai costruito molto più di un’etichetta discografica: hai creato una piattaforma in cui artisti, idee e linguaggi musicali differenti si incontrano. Guardando indietro, che cosa ti ha insegnato la costruzione di questa comunità sulla collaborazione, sulla fiducia e sull’importanza di creare spazi in cui la sperimentazione possa realmente avvenire?

Il mio approccio a FELT è sempre stato molto istintivo. Capisco quasi immediatamente se la musica che mi viene inviata può funzionare per l’etichetta. A meno che non sia l’artista stesso a volerlo, cerco di non intervenire troppo nel processo di A&R dei dischi. Preferisco fidarmi della sua visione, invece di entrare eccessivamente nei dettagli. Questo deriva anche dalla scelta di lavorare con persone di cui mi fido sia a livello personale sia artistico, al punto da sentire che quasi tutto ciò che mi propongono avrebbe senso pubblicarlo. Per me è importante che l’etichetta rimanga una sorta di “piattaforma aperta” per queste persone. Quest’anno inizierò inoltre a pubblicare su FELT anche parte della mia musica, ed è qualcosa che mi entusiasma molto.

La musica elettronica è sempre esistita in uno spazio intermedio tra tecnologia ed emozione umana. Dopo anni trascorsi a produrre, suonare e performare, che cosa continua ad affascinarti maggiormente di questa relazione? Pensi che le macchine abbiano cambiato il nostro modo di esprimerci o che abbiano semplicemente rivelato possibilità che erano già presenti?

Non credo che la tecnologia occupi un ruolo particolarmente importante nella mia pratica artistica, a parte il fatto che utilizzo il computer come principale strumento di registrazione. Mi affido spesso alle macchine per creare suoni e mettere in sequenza gli elementi musicali, ma non sono aggiornato sugli ultimi sviluppi della tecnologia musicale. Penso che gran parte di ciò che faccio potrebbe essere realizzato anche con un setup piuttosto rudimentale. Nonostante la mia formazione accademica sia in informatica, ho pochissimo interesse nell’incorporare quel mondo nella mia pratica. Le volte in cui l’ho fatto, è stato a discapito delle idee musicali alla base del progetto.

I tuoi DJ set si muovono spesso con naturalezza tra ambient, dub, elettronica sperimentale e dischi maggiormente orientati al ritmo, mantenendo però una forte coerenza che va oltre i generi. Quando selezioni la musica, che cosa stai realmente cercando nell’ascolto? Una risonanza emotiva, una particolare texture, un senso di tensione o qualcosa di molto più difficile da definire?

In genere ho un’idea dell’atmosfera che vorrei creare con un DJ set, ma al di là di questo tutto è guidato dall’istinto. Per questo cerco di preparare il set il meno possibile e di concentrare le mie energie nella ricerca di nuova musica durante le settimane che precedono una performance. Ho persino messo via i miei lettori da DJ a casa e ora ho soltanto un giradischi collegato direttamente a un impianto Hi-Fi. Riorientare in questo modo il mio rapporto con il DJing è stata una rivelazione e mi ha permesso di sviluppare un approccio più libero e spontaneo.

Il tuo ultimo album si intitola Ephemera, una parola che evoca qualcosa di temporaneo, fugace e difficile da trattenere. Che cosa ti ha inizialmente attratto verso questa idea e il suo significato è cambiato ora che il disco ha avuto il tempo di vivere una propria esistenza, al di là del momento in cui è stato creato?

Il titolo riflette semplicemente il modo in cui la musica è stata creata: nel corso di diversi anni, in luoghi differenti e insieme a collaboratori diversi, senza aspettarmi che quelle registrazioni sarebbero poi entrate a far parte di un progetto più ampio. Con il tempo mi sono reso conto che il titolo affonda le sue radici anche nel modo in cui consumo i media e colleziono oggetti: biglietti, flyer di feste, cartoline, adesivi e cose simili. Nel mio appartamento ho molte scatole piene di questi oggetti.

Ripensando al weekend, se qualcuno avesse assistito alla tua performance senza conoscere in precedenza nulla della tua musica, che cosa spereresti fosse rimasto con lui una volta andato via? Una sensazione, una domanda, un ricordo o forse qualcosa di impossibile da definire completamente a parole?

La house music è viva.

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