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Music

IN FOCUS: ADI | NATURALIS FESTIVAL

words: Tatiana Tardio

03.07

IN FOCUS: ADI | NATURALIS FESTIVAL

IN FOCUS: ADI | NATURALIS FESTIVAL

In occasione di Naturalis Festival abbiamo incontrato ADI una figura che attraversa la musica elettronica come spazio di ascolto, ricerca e trasformazione. Il suo percorso si muove tra Europa e Colombia, due geografie profondamente diverse ma capaci di dialogare attraverso il corpo, il ritmo, la memoria e la costruzione di comunità. Da un lato le radici colombiane, con una relazione istintiva con il movimento, l’energia e la dimensione fisica del suono; dall’altro l’esperienza europea, segnata da una lunga eredità di club culture, rave, infrastrutture indipendenti e pratiche di ascolto più stratificate.

In questa conversazione, la musica diventa un punto di incontro tra istinto e intenzione, tra dancefloor e contemplazione, tra vinile, radio, produzione e curatela. Il dialogo attraversa il modo in cui le scene si formano, cambiano e resistono, ma anche il valore degli spazi indipendenti come Naturalis Festival: luoghi in cui il suono non è soltanto intrattenimento, ma esperienza condivisa, relazione con il paesaggio e possibilità di riconnettersi al tempo, agli altri e a sé stessi.

Ne emerge una visione della musica come canale, energia e pratica sensibile: qualcosa che si ascolta con il corpo prima ancora che con la mente, e che continua a generare nuove forme di appartenenza, immaginazione e presenza.

In un percorso che attraversa Europa e Colombia, club culture, radio, vinile e pratiche curatoriali si intrecciano in una visione della musica come spazio fisico, emotivo e spirituale. Tra istinto e intenzione, corpo e ascolto, movimento e paesaggio, questa conversazione esplora il modo in cui geografie, comunità e formati diversi possono trasformare il suono in un’esperienza di connessione profonda.

Ph: Mirko Ostuni

Vivi e lavori tra Europa e Colombia, due contesti con paesaggi musicali, sociali e culturali molto diversi. In che modo queste geografie sono entrate nel tuo modo di ascoltare, selezionare e produrre musica?

Penso che i luoghi, le culture e le circostanze che ci circondano influenzino inevitabilmente la creatività. C’è qualcosa che non posso evitare delle mie radici colombiane: una connessione profonda con il movimento e il sentire. Sono attratta dalla musica che attiva il corpo, che accende istinto, curiosità ed esplorazione. Il ritmo, l’energia e l’esperienza fisica del suono sono spesso i miei primi punti di connessione.

Poi c’è un altro livello che arriva attraverso l’esperienza e l’evoluzione come ascoltatrice e produttrice: un’attenzione al viaggio, alla struttura, al dettaglio, alla texture e alle dimensioni concettuali della musica. Questi elementi sono diventati sempre più importanti per me nel tempo e spesso si riflettono negli ambienti e nelle scene che ho incontrato in Europa.

Per me, queste non sono forze opposte, ma complementari. Momenti diversi richiedono approcci diversi, ma ciò che mi interessa di più è quello che accade quando si incontrano. L’istintivo e l’intenzionale, il fisico e il cerebrale, possono nutrirsi ed espandersi a vicenda. In molti modi, è in quell’intersezione che per me emerge la trance: quando movimento, emozione e attenzione diventano pienamente integrati. Ultimamente, mi ritrovo a tornare sempre di più all’istinto come principio guida. Nell’ascoltare, selezionare e produrre, cerco di fidarmi di quel primo impulso e di agire più come un canale che come qualcuno che cerca il controllo totale.

Quando pensi alle scene di musica elettronica colombiana ed europea, quali differenze — o somiglianze inaspettate — emergono per te in termini di comunità, infrastruttura, energia e modo in cui le persone abitano il dancefloor?

Ovunque tu vada, di solito c’è un lato più commerciale o mainstream della nightlife, accanto a comunità e subculture più piccole che si riuniscono attorno a valori condivisi e modi di vivere la musica. In questo senso, il comportamento umano è sorprendentemente simile.

Una differenza che noto è che la musica elettronica sembra più culturalmente radicata in Europa. L’eredità della club culture e dei movimenti rave della fine degli anni ’80 e dei primi anni ’90 ha contribuito a formare un ecosistema forte attorno ad essa. Questo ha portato a una rete consolidata da tempo di club, promoter, festival e afterhours, spesso operanti con una certa regolarità, dinamismo e continuità. A causa della relativa vicinanza tra città e scene, c’è anche uno scambio costante di artisti, idee e pubblico, che aiuta le scene a evolversi e a rimanere connesse.

In Colombia, la musica elettronica ha certamente sviluppato le proprie comunità e la propria storia, ma spesso è esistita accanto a tradizioni musicali popolari e folkloriche molto più dominanti. Nel corso degli anni, sono emerse subculture distinte all’incrocio tra tradizioni musicali locali, identità latinoamericana e arrivo della musica elettronica. Il loro sviluppo è stato anche condizionato dall’accesso, dalla geografia e dalle possibilità disponibili per artisti, promoter e pubblico nei diversi momenti storici.

Per questo motivo, i collettivi locali e le iniziative indipendenti giocano spesso un ruolo particolarmente importante. Non si limitano a sostenere la scena: modellano attivamente il modo in cui evolve e il modo in cui le influenze globali vengono tradotte nelle realtà locali.

La tua pratica si muove tra DJing, produzione e curatela. In che modo queste dimensioni dialogano tra loro nel tuo lavoro, e come modellano il modo in cui costruisci un’identità musicale nel tempo?

Si nutrono tutte a vicenda. È un ecosistema in costante interazione. Scoprire musica spesso significa anche scoprire artisti, comunità e nuovi modi di pensare. Il DJing mi permette di ascoltare profondamente e di vivere il lavoro di altri artisti e colleghi, le cui pratiche continuano a ispirare e influenzare la mia.

Da lì, la curatela emerge in modo naturale, sia attraverso la costruzione di un DJ set sia attraverso la definizione di una lineup. Per me, tutte queste dimensioni sono intrecciate e fanno parte dello stesso habitat. Insieme, hanno formato la mia identità musicale attraverso un processo continuo di ascolto, scambio e scoperta.

La radio sembra essere una parte importante del tuo percorso, attraverso piattaforme come Gimic Radio e Kiosk Radio. Che tipo di spazio apre per te la radio, rispetto al club, al festival o all’esperienza più fisica della dancefloor?

Ho un amore speciale per la radio. Sono cresciuta strettamente connessa ad essa e, in molti modi, resta uno dei miei spazi preferiti per condividere e scoprire musica. A differenza del club o della dancefloor, la radio offre una certa libertà. Ti permette di creare un archivio, di documentare un percorso e di esplorare connessioni che potrebbero non emergere in un contesto più funzionale alla pista.

Sogno anche di esplorare in futuro un approccio più old-school alla radio, riconnettendomi con alcune delle sue qualità più contemplative e conversazionali.

Nel 2018 hai co-fondato Automagically a Bogotá con Samantha Millows. Quale bisogno, intuizione o visione ha dato vita al progetto, e cosa è diventato all’interno della scena creativa locale?

Automagically è nato in un momento in cui io e Samantha sentivamo che ci fosse un vuoto nel panorama creativo e musicale di Bogotá. Ci mancava uno spazio che riflettesse i nostri gusti musicali e le nostre esplorazioni, ma che allo stesso tempo prestasse una reale attenzione alla qualità del suono, all’atmosfera e ai dettagli che rendono un’esperienza memorabile.

Fin dall’inizio lo abbiamo immaginato come qualcosa di più di una festa. Volevamo che funzionasse come una piattaforma multidisciplinare capace di riunire diverse comunità e pratiche creative, creando un punto d’incontro per molti degli artisti, delle idee e dei movimenti culturali che ci stavano ispirando a Bogotá in quel momento.

È diventato uno spazio di sperimentazione, scambio e costruzione di comunità, e un’opportunità per contribuire al tipo di scena che noi stesse stavamo cercando. Oggi lo manteniamo vivo attraverso una serie di podcast che curiamo con attenzione, mentre entrambe le nostre pratiche continuano a evolvere. Sento ancora che ci sia molto da esplorare attraverso Automagically, e immagino che in futuro prenderà nuove forme. Resta un progetto profondamente significativo per me, sia per ciò che abbiamo costruito sia per il mio legame continuo con Samantha.

Il mentoring nella musica spesso accade in modi informali — attraverso amicizie, negozi di dischi, label, party, radio show o momenti condivisi di ascolto. Chi, o cosa, ti ha guidata di più nel modo in cui comprendi la musica, la curatela e l’indipendenza artistica?

Ci sono state figure chiave fin dall’inizio del mio percorso, e ogni passo mi ha permesso di sbloccare un mondo di artisti, generi, tecniche e visioni. Potrei dire che la maggior parte dei miei amici o della mia famiglia mi ha in qualche modo fatto da mentore, o mi ha insegnato e condiviso qualcosa che ancora oggi vive in me. Ogni tanto trovo un disco o una traccia che mi riporta indietro nel tempo, a un amico, a un momento o a un sogno. C’è una lunga lista di esseri speciali che nutrono tutto questo, ma nel complesso mi sento abbastanza fortunata ad essere stata sostenuta nel seguire la mia curiosità e nel prendere sul serio i miei sogni.

Il vinile è rimasto parte della tua pratica in un tempo in cui la musica è sempre più veloce, digitale e immateriale. Che cosa rappresenta per te questo formato, non solo tecnicamente, ma anche emotivamente, fisicamente o concettualmente?

Per me il vinile è un formato davvero unico, ed è proprio la sua fisicità a renderlo così affascinante e, in qualche modo, così reale: qualcosa di tangibile, qualcosa con cui puoi entrare in relazione visivamente, fisicamente e sonoramente. È come pura energia custodita in una copertina e in un solco, amplificata attraverso la frizione di una puntina e trasportata nello spazio e nel tempo.

Spesso penso ai dischi come ad amuleti. Amo il modo in cui testimoniano il nostro potere di manifestazione. A volte sento persino che siano questi oggetti a possedere me, più di quanto io possieda loro. Ciò che continua ad affascinarmi è la sensazione che ci sia qualcosa oltre me stessa contenuto al loro interno.

Sempre di più, mi sento un canale piuttosto che qualcuno che controlla. Diventa meno una questione di possedere dischi e più una questione di permettere loro di trovare la strada verso di me e, attraverso di me, condividere le loro storie, le loro frequenze e la loro magia.

Prima di essere una professione, un linguaggio o una pratica, che cos’è la musica per te? In che modo ha plasmato il tuo modo di relazionarti con te stessa, con gli altri e con il mondo attorno a te?

La musica è un motore, il mio luogo sicuro. È sempre lì; mi radica quando ho bisogno di atterrare, mi rilassa quando ho bisogno di una pausa e mi entusiasma quando ho bisogno di una spinta. È il canale, il ponte. È una fonte di guarigione, pura energia. Mi ha anche insegnato moltissimo sul silenzio — sull’ascolto. È la compagnia perfetta.

Il tuo album BM14 è uscito su Basic Moves, e in seguito hai pubblicato Life at the Cookie Squad su Different Times. In che modo le tue produzioni e i tuoi DJ set coesistono nel tuo universo artistico, e cosa rivelano dei diversi lati del tuo suono?

La mia produzione è completamente influenzata dal mio percorso nel DJing. Solo ora che sto suonando più spesso trovo piuttosto difficile avere il giusto mindset e il giusto tempo per produrre, perché ho capito che coinvolgono processi di pensiero e flussi creativi diversi. Penso che la produzione sia come un free pass che devo ancora esplorare pienamente e in cui devo ancora avventurarmi.

Festival come Naturalis creano uno spazio per la musica elettronica profondamente connesso al paesaggio, alla comunità e all’ascolto. Cosa pensi che questi festival indipendenti e specifici rispetto al contesto possano generare oggi per una scena?

Il nostro ambiente quotidiano è molto dissociante e sovraccarico in modi che, ai miei occhi, sembrano piuttosto innaturali: l’esperienza della vita umana oggi sembra completamente dipendente e immersa in muri di cemento, schermi, ambienti controllati — o nell’idea di essi — e in quello che potremmo chiamare “il mondo digitale”.

È per questo che esperienze come queste, che ci portano nella natura, ci riconnettono con gli altri e con i nostri sensi in tempo e spazio reali, e ci ricordano che siamo noi stessi natura — che lo siamo sempre stati — mi sembrano così essenziali. Per me sono impagabili e, in definitiva, vitali.

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