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Music

Âme | LOVE IS THE DANCE

words: Tatiana Tardio

03.11

Âme | LOVE IS THE DANCE

Âme | LOVE IS THE DANCE

In conversazione con Frank Wiedemann

Che cosa significa creare musica per il dancefloor quando il futuro stesso della club culture sembra incerto? Per Frank Wiedemann, il nuovo album degli Âme nasce nel silenzio della pandemia. Con i club chiusi e le tournée ferme, il produttore tedesco ha iniziato ad accumulare ore di idee musicali, tornando a una domanda fondamentale: che cosa succede alla musica da ballo quando scompaiono i luoghi per cui è stata pensata?

In uscita il 6 novembre 2026 su Innervisions, Love Is The Dance riunisce tredici tracce e numerosi collaboratori, tra cui RY X, Jeannel, Henrik Schwarz, Busiswa, Meredi, Curses, Rhye, KÁRYYN, Trikk e Jens Kuross. Tra produzioni per il club, scrittura di canzoni e momenti di ascolto più intimi, il disco riflette l’intesa musicale tra Wiedemann e Kristian Beyer, insieme alla loro apertura alla sperimentazione. Nel corso della conversazione, Wiedemann torna spesso sull’importanza dei rapporti umani: dalle amicizie che hanno dato forma all’album alle comunità che tengono viva la musica elettronica. Abbiamo parlato della nascita di Love Is The Dance, del suo rapporto con l’underground, dell’evoluzione della club culture e del perché, per lui, la musica continui a essere soprattutto condivisione.

**Perché avete scelto il titolo Love Is The Dance e che cosa rappresenta?**

Tutto comincia durante il Covid. C’erano così tanti spazi vuoti. Non viaggiando, passavo molto tempo a fare musica. In quei due anni credo di aver accumulato circa quattro ore di materiale, che poi ho sviluppato gradualmente in progetti diversi. La cosa strana era che stavo creando musica per luoghi che amavo — i club e i dancefloor — senza sapere se sarebbero mai tornati a esistere. Quando abbiamo iniziato a lavorare a “Love Is The Dance” con RY X, le sue parole sembravano esprimere esattamente ciò che provavamo. Per me, ballare è sempre stato il modo più naturale di vivere la musica. Non si tratta di mettersi in mostra o di farsi riprendere. Si tratta di ballare, incontrare persone ed entrare in sintonia sulla pista. Per noi è sempre stato questo il senso.

In un verso dell’album si sente: “Meet me in the underground”. Che cosa significa per te, oggi, l’underground?

Non so se hai visto la mia biografia su Instagram, ma c’è scritto “underground is overrated”, cioè “l’underground è sopravvalutato”. Capisco il meccanismo: scopri qualcosa che ami nell’underground e inizi a sentirlo un po’ tuo. Poi, quando lo scoprono anche gli altri, improvvisamente non ti piace più. È un atteggiamento che non sopporto. Se un brano ti emoziona, perché dovrebbe importarti se lo ascoltano cinquecento persone o cinquanta milioni? Conta l’arte, non quante persone la apprezzano. Allo stesso tempo, penso che l’underground sia assolutamente necessario. È lì che si sviluppano le scene, nascono nuove idee e le persone hanno la libertà di sperimentare. Crea luoghi in cui chi condivide una sensibilità può ritrovarsi e sentirsi al sicuro. Amo i piccoli club. Amo suonare in quei contesti e ne capisco l’importanza. Quindi apprezzo l’underground come spazio fisico e culturale. Quello che non mi piace è l’atteggiamento esclusivo che a volte lo accompagna.

Nell’album ci sono artisti provenienti da mondi musicali molto diversi. Come avete scelto i collaboratori?

Mi piace semplicemente fare musica con altre persone. La maggior parte degli artisti presenti nel disco sono amici da anni, anche se in alcuni casi abbiamo contattato persone di cui ammiravamo il lavoro. Per il nostro album precedente, Dream House, avevamo collaborato con artisti come Planningtorock: seguivamo la loro musica da molto tempo, ma non ci conoscevamo personalmente. È stato emozionante lavorare finalmente con persone che avevamo sempre ammirato da lontano. Questa volta è stato diverso, perché conoscevo già quasi tutti. Jeannel è stata un’eccezione. Ho scoperto un suo brano online e mi sono sentito subito vicino alla sua musica. Ora pubblica anche con la mia etichetta, Bigamo Musik, e ne sono molto felice. Il suo album è bellissimo. Naturalmente, contattare qualcuno che non conosci può portare a qualcosa di meraviglioso. Ma ho scoperto che lavorare con persone con cui hai già un rapporto spesso rende più semplice il processo creativo. C’è un’intesa reciproca ed entrambe le parti sanno cosa aspettarsi.

Ci racconti come si sono sviluppate queste collaborazioni e come sono nate le singole tracce?

Conosco KÁRYYN da circa quattordici anni. Abbiamo passato più o meno tre anni a lavorare alla sua musica, anche se quel materiale non è mai stato pubblicato. È stata comunque un’esperienza importante: abbiamo imparato molto sulla scrittura e sulla produzione, e siamo diventati grandi amici. In seguito abbiamo collaborato a “The Witness”, per la centesima uscita di Innervisions. Sono molto felice che sia anche in questo album. Ha una voce straordinaria, ma apprezzo altrettanto tutto quello che ha da dire. È una persona incredibilmente intelligente e riflessiva. Poi c’è Luca Venezia, in arte Curses. Ci conosciamo da anni e ci siamo incrociati spesso nei club. La sua voce ci è sempre piaciuta. Per “Shadow Of Love” gli abbiamo chiesto di provare qualcosa di un po’ diverso dal suo solito. Il brano aveva un’atmosfera più positiva di quella che ci si potrebbe aspettare da lui. Ha capito subito e, già alla prima registrazione, ci ha dato esattamente l’interpretazione che cercavamo. Anche con RY X volevamo fare qualcosa di diverso da ciò che il pubblico si aspetta normalmente da lui. Per “Love Is The Dance” ha proposto una parte recitata, che ci è sembrata perfetta. Quelle parole significano molto per noi, e lui le ha interpretate benissimo.

“Factor It”, con Henrik Schwarz, è stata una delle ultime tracce che abbiamo completato. Inizialmente avevamo un’altra idea, ma le persone che avevamo contattato non ci hanno mai risposto. Continuavamo a metterla da parte, finché non ci siamo resi conto che dovevamo davvero finirla. Tra i collaboratori del disco, Henrik è probabilmente uno dei miei amici di più lunga data. Abbiamo iniziato a parlare di economia e della differenza tra ottenere un profitto e capire quanto costa davvero produrre qualcosa. Quando vendi un prodotto, spesso il suo prezzo non tiene conto di tutto: il riciclo, lo smaltimento o le conseguenze umane della produzione. C’è il guadagno economico, ma c’è anche il costo reale. Quella conversazione è diventata il punto di partenza del brano. È una traccia piuttosto diretta e aggressiva, quindi il tema ci sembrava adatto. Henrik ha suggerito di fare un tentativo e, appena ci siamo messi al lavoro, tutto ha preso forma molto velocemente. Sono particolarmente felice che sia nel disco, proprio perché la nostra amicizia viene da così lontano.

La collaborazione con Busiswa è nata attraverso Bridges for Music, un’organizzazione che lavora con i giovani in Sudafrica. Hanno una scuola a Langa, una township di Città del Capo, dove offrono opportunità attraverso la musica e la formazione. Un giorno sono andato lì a insegnare e sono rimasto profondamente colpito dal loro lavoro. Siamo rimasti in contatto e, in seguito, mi hanno parlato di Busiswa, raccontandomi che aveva avuto un legame con la scuola. In Sudafrica è una star. Quando era in tournée in Europa, mi hanno chiesto se mi interessasse registrare qualcosa con lei. Ho detto subito di sì. Non dimenticherò mai quella sessione. È arrivata con un look incredibile, un vestito fantastico e delle unghie lunghissime. All’inizio era seduta a guardare il telefono, e io mi chiedevo cosa stesse succedendo. Poi le ho fatto ascoltare della musica e, all’improvviso, ha detto: «Credo di avere qualcosa». È stato fantastico. È un’interprete straordinaria e da allora abbiamo fatto anche qualche concerto insieme. La adoro.

Meredi è entrata nel progetto molto tardi. Su quella traccia, inizialmente, c’era un’altra cantante, ma non era soddisfatta del proprio contributo e ci ha chiesto di toglierlo. A noi il brano piaceva molto, quindi dovevamo trovare un altro modo per completarlo. Sto lavorando parecchio con Meredi anche a un altro progetto e penso che sia straordinaria. Ci siamo conosciuti a San Francisco e abbiamo passato circa tre ore a parlare di musica. È nata una forte intesa e stiamo continuando a creare musica insieme. Quando si è trovata in città, le ho chiesto se volesse provare a cantare sul pezzo. Il risultato è piaciuto a entrambi, quindi tutto si è incastrato alla perfezione. Poi c’è Mike Milosh, l’artista dietro Rhye. L’ho conosciuto anni fa, quando frequentava Berlino nei primi anni Dieci. Ho sempre amato la sua musica e, con il tempo, siamo diventati più amici. Un giorno mi ha detto che era a Berlino e mi ha chiesto se ci andasse di lavorare insieme. Gli ho risposto: «Proviamo». Con lui è tutto molto semplice. Avevamo una traccia ispirata al suono dei Compass Point Studios, che piace molto sia a me sia a Kristian. Abbiamo chiesto a Mike se riuscisse a immaginare una sua parte vocale su quel pezzo, e lui è tornato con qualcosa che funzionava perfettamente. Abbiamo anche altri brani in lavorazione insieme. Sta nascendo tanta musica.

Infine c’è Jens Kuross, che canta in “Don’t Waste My Time”. Jens faceva parte della band che accompagnava gli Howling in tournée: suonava batteria e tastiere e faceva i cori. È un polistrumentista incredibile ed è diventato un caro amico. Ogni volta che viene in Europa passiamo del tempo a comporre insieme. Viene in studio e lavoriamo alle idee più diverse. Aveva iniziato a collaborare anche con Bruno Deodato, meglio conosciuto come Trikk. A un certo punto stavano lavorando a un pezzo e mi hanno chiesto di unirmi a loro perché si erano bloccati. Abbiamo passato quasi un’intera giornata a fare tentativi senza arrivare da nessuna parte. Poi, all’improvviso, nel giro di un’ora il brano ha preso forma. Bruno aveva la batteria, abbiamo aggiunto una linea di basso e Jens ha trovato una melodia vocale. Da lì è iniziato un altro lungo percorso: abbiamo provato diversi cantanti, ma alla fine ci siamo resi conto che la voce di Jens era proprio quella di cui il pezzo aveva bisogno. La musica funziona spesso così. Esplori tutte le possibilità per poi scoprire che la risposta era già lì. Lavoro molto anche con Bruno. È un produttore straordinario, piuttosto folle nel senso migliore del termine, e una persona meravigliosa.

Quando inviti qualcuno in studio hai già un’idea precisa di ciò che vuoi, oppure preferisci lasciare che la musica nasca spontaneamente?

Dipende molto dalla situazione. A volte ho già una base strumentale completa e la mando a qualcuno perché ci registri una parte vocale. Altre volte so esattamente che cosa vorrei da uno strumentista. In un paio di tracce, per esempio, avevo già in mente le parti di basso, e la bassista le ha registrate. Ma capita anche di entrare in studio senza una direzione precisa e iniziare a sperimentare insieme. Ogni collaborazione è diversa. Per me, la cosa più importante è avere altre persone nella stanza. Mi piace molto quello scambio. Fare musica, per me, significa creare qualcosa insieme.

Con suoni e collaboratori così diversi, come avete costruito l’ordine dei brani?

È un lavoro che richiede sempre tempo e non è mai particolarmente semplice. A un certo punto metti tutti i pezzi in una playlist e inizi ad ascoltarli uno dopo l’altro. Li riascolti più volte, capisci cosa non funziona e cominci a spostarli. A volte ti accorgi abbastanza presto che una o due canzoni non appartengono al disco, anche se prese singolarmente ti piacciono. Altre volte scopri che manca qualcosa. Senti che in un certo punto servirebbe un altro brano, ma non l’hai ancora scritto. L’ordine continua a cambiare durante tutta la produzione. Trovare il posto giusto per ogni pezzo può richiedere molto tempo.

Alcune tracce sono chiaramente pensate per il club, altre hanno una dimensione più intima. Perché era importante tenere insieme questi due aspetti?

Con Dream House, che consideriamo il nostro primo vero album, credo che abbiamo commesso l’errore di non inserire una traccia da club. All’epoca il ragionamento era semplice: a casa non ascolto musica da club, quindi perché dovrei farne un intero album? Kristian la pensava allo stesso modo. Il risultato ci piaceva molto ed è stato un disco importante per noi, ma non ha avuto un successo particolarmente grande. Con il nuovo album volevamo fare qualcosa di più vicino al mondo da cui proveniamo. All’inizio, quando avevamo tanti abbozzi ma non sapevamo ancora bene cosa farne, ne ho parlato con Alex Ridha, Boys Noize. Gli ho fatto ascoltare del materiale perché stavamo pensando di chiedergli una mano con la produzione. Dopo aver ascoltato, ci ha detto più o meno: «Non vi serve un produttore. Fate otto tracce da club e il resto andrà a posto». Quel consiglio ci è rimasto in testa. Alla fine non abbiamo fatto davvero otto tracce da club, ma penso che quasi tutto il disco potrebbe funzionare in un determinato momento della serata. Anche un pezzo più tranquillo come “Topanga”, nel contesto giusto, potrebbe trovare il proprio spazio.

La musica elettronica viene a volte immaginata come un processo interamente digitale. Quali strumenti e suoni avete usato per questo album?

Tutti! [Ride.] Per me, fare musica ha sempre significato combinare fonti diverse. Nel disco ci sono batterie vere. Magari non le riconosci subito come acustiche, ma ci sono. Lo stesso vale per il pianoforte, il basso e le chitarre. A volte gli strumenti vengono elaborati al punto da diventare irriconoscibili. Ma è anche così che costruisco i suoni. Negli anni ho raccolto drum machine e sintetizzatori di ogni tipo. Non saprei dirti quale sia il più importante, perché non lavoro in quel modo. Per me conta averli intorno e sapere di poterli usare quando arriva un’idea. Alla fine potrei anche scegliere un plug-in, ma essere circondato da strumenti fisici resta fondamentale per il mio processo creativo. A volte registro una sessione di venti minuti e ne uso soltanto un minuscolo loop. Ma quei venti minuti sono stati necessari per trovare proprio quel suono. Non puoi sempre saltare il percorso e arrivare direttamente al risultato.

Considerando che le prime idee sono nate durante la pandemia, da quanto tempo lavorate all’album?

Direi almeno cinque anni.

**State pensando di portare Love Is The Dance sul palco con uno spettacolo dal vivo?**

È quello a cui stiamo lavorando adesso. Per il prossimo anno stiamo programmando alcuni concerti in cui vorrei suonare materiale dell’album insieme a qualche nostro brano precedente. Quando suono nei club, oggi, inserisco spesso musica inedita e idee che sto ancora sviluppando. Con questo progetto vorrei costruire qualcosa di più strutturato, con un’idea precisa alla base. L’anno scorso ho sperimentato un approccio simile e mi è piaciuto molto. L’idea è invitare alcuni ospiti, magari qualche cantante, ed eseguire insieme una selezione di brani. Sarebbe più vicino a un concerto che a un tradizionale set da club. È un’esperienza diversa, ma penso che potrebbe essere molto divertente.

Chi ha realizzato l’artwork dell’album e come è nata questa collaborazione?

L’artwork è di Willem Stratmann. Ce l’ha presentato Felix, il nostro braccio destro da oltre dieci anni. Willem fa parte della scena creativa berlinese da molto tempo, anche se prima non ci eravamo mai incontrati. Di solito, quando io e Kristian dobbiamo prendere decisioni sulla grafica — o anche sulla musica — discutiamo parecchio. Non siamo sempre d’accordo fin da subito. Con Willem, invece, è successa una cosa insolita: le sue prime idee sono piaciute immediatamente a entrambi. Sembrava che parlassimo la stessa lingua. Da allora stiamo sviluppando insieme il nostro immaginario visivo. La considero una vera collaborazione: noi gli portiamo le nostre idee e lui trova il modo di tradurle in immagini. È un percorso che ci sta dando molto piacere.

Oltre a produrre musica e suonare, hai contribuito a creare spazi e opportunità per altri artisti. Quanto conta oggi il senso di comunità, soprattutto in una scena sempre più influenzata dai social?

Per me la scena è sempre stata una questione di comunità. Anzi, credo che lo sia la vita stessa. Cerchi persone con cui senti un legame, con cui puoi scambiare idee e stare bene. Una delle cose più belle della club culture è sempre stata la sua apertura mentale. Certo, oggi tutto sta diventando più complicato. Il mondo cambia e le posizioni delle persone sono sempre più nette. Allo stesso tempo, penso sia fondamentale che finalmente si affrontino questioni ignorate troppo a lungo. Le persone prendono parola e chiedono di essere ascoltate, che si parli di razzismo, diritti delle donne o altri temi sociali. Sono conversazioni necessarie, che avremmo dovuto avere molto prima, anche quando generano conflitti. Internet ha sicuramente intensificato questo processo e reso le posizioni più polarizzate. Credo che stiamo attraversando una fase di trasformazione. Cerchiamo tutti di capire che cosa verrà dopo e, forse, di trovare nuovi modi di vivere insieme. C’è chi ha paura di questi cambiamenti e chi ne è entusiasta. Probabilmente questa tensione è inevitabile.

Personalmente, cerco di concentrarmi su ciò che posso fare nel mio ambiente. Se posso contribuire a creare spazi in cui le persone si sentano libere di essere se stesse, vivere come desiderano e fare la musica in cui credono, allora sto facendo qualcosa che ha un senso. Ho avuto la fortuna di avere accanto persone che hanno fatto lo stesso per me. Ecco perché penso sia essenziale sostenere gli altri artisti. Migliora la mia vita e, spero, anche la loro. Naturalmente, a volte ascolto una canzone e penso: «Vorrei averla scritta io». Può esserci persino un po’ di gelosia. Ma alla fine sono felice che qualcuno abbia creato qualcosa di così bello. Condividere è sempre meglio che tenere tutto per sé.

Questa visione sembra riflettersi anche in TS Agency, che hai contribuito a fondare. Qual era l’idea alla base di una struttura indipendente per gli artisti?

Io, Kristian e Dixon abbiamo partecipato alla nascita dell’agenzia. L’idea era costruire qualcosa insieme: una struttura legata agli artisti stessi e alla comunità che li circonda.

Richie Hawtin è entrato recentemente in TS Agency. Che significato ha per te questa scelta? E quanto sei coinvolto oggi nell’agenzia?

Penso che la sua decisione mandi un segnale forte. Oggi in questo settore circolano moltissimi soldi, e il business è diventato sempre più grande e complesso. Il fatto che una persona come Richie scelga una struttura indipendente, di proprietà degli artisti, dice qualcosa sui valori che vuole sostenere. Credo che ne condividiamo molti. Non mi occupo della gestione quotidiana dell’agenzia. Siamo soci, mentre a mandare avanti il lavoro ci sono un amministratore delegato e un team straordinario. Ma quando qualcuno come Richie Hawtin vuole entrare, naturalmente partecipiamo alla conversazione. Siamo anche suoi amici.

Quello che ho sempre ammirato di Richie è il suo essere all’avanguardia nella tecnologia per tutta la carriera. Esplora continuamente nuove possibilità, ma senza lasciare che la tecnologia metta completamente in ombra la musica. Certo, quello che fa ha anche una dimensione visiva e performativa, ma al centro restano la musica e la comunità, più che la costruzione di un personaggio. Penso che condividiamo il desiderio di ritrovare alcune delle cose che rendevano la musica elettronica così entusiasmante quando abbiamo iniziato a farne parte. Questo non significa tornare indietro. Viviamo nel futuro ed è giusto accoglierlo. Ma possiamo portare con noi l’entusiasmo, la curiosità e il senso di unione che ci hanno avvicinati a questo mondo. A volte ho la sensazione che quel senso di unione si sia perso, man mano che certi progetti diventavano enormi. Non li sto criticando. Se alle persone piacciono, va benissimo. Ma credo che ci sia spazio anche per altri approcci, altre esperienze e altri modi di stare insieme. Sono davvero felice che Richie entri a far parte dell’agenzia e non vedo l’ora di capire come portare questi valori condivisi nel futuro.

Love Is The Dance è più del titolo di un album. Ci ricorda che, oltre l’industria, i numeri e i continui cambiamenti della musica elettronica, a unirci resta qualcosa di profondamente umano. La club culture è cresciuta grazie a chi ha saputo creare spazi di libertà, incontro e scoperta collettiva. Forse la sua forza più grande sta proprio nella capacità di reinventarsi senza perdere quello spirito. Il futuro della pista da ballo lo costruiamo insieme, ogni volta che scegliamo di condividere musica, spazi e possibilità. E se il capitolo più emozionante della club culture fosse ancora da scrivere?

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