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Music

IN CONVERSATION WITH: FURIA MISTICA

words: Tatiana Tardio

26.10

IN CONVERSATION WITH: FURIA MISTICA

IN CONVERSATION WITH: FURIA MISTICA

FURIA MISTICA sviluppa un progetto che unisce musica elettronica, voce, chitarra e performance, con un’attenzione alla dimensione visiva e al corpo. Il background teatrale e il percorso nella musica, dal DJing ai live, confluiscono in una ricerca che mette al centro il cambiamento e l’esplorazione dell’identità.

L’infanzia tra le montagne del Nord Italia, gli ascolti e i viaggi contribuiscono alla costruzione di questo linguaggio. Nella biografia, Furia Mistica racconta un sogno ricorrente dell’infanzia: un feto alieno su un lago freddo, poi risucchiato in una barca a forma di televisore. Un’immagine rimasta nel tempo e successivamente tradotta in musica, fino a diventare uno dei riferimenti del primo lavoro sulla lunga durata. Le chitarre drone che hanno accompagnato l’adolescenza, il pianoforte, le melodie oniriche e gli interventi di elettronica e batteria compongono un suono che cambia direzione anche all’interno dello stesso brano.

Il nome riunisce due riferimenti personali: Furia, il soprannome ricevuto durante l’infanzia, e Mystique, il personaggio degli X-Men capace di cambiare aspetto. La trasformazione torna anche nel modo di costruire le performance, che possono attraversare sonorità, immagini e personaggi diversi. In questo processo, fare musica diventa un modo per elaborare le proprie esperienze e mettere in discussione abitudini e definizioni.

La stessa apertura caratterizza il lavoro con altre figure creative. Le collaborazioni con l’artista ohii katya e il ballerino Emanuele Algeri rispondono al desiderio di sviluppare uno spettacolo in cui più discipline partecipino al racconto. Anche l’immagine fotografica e lo styling entrano in questa ricerca: il lavoro con Dimitri D’Ippolito e Margherita Bonometti affronta la rappresentazione del corpo e il superamento del dualismo maschile/femminile, dando spazio a caratteristiche che spesso sfuggono ai canoni più convenzionali.

La conversazione si estende poi alle condizioni in cui una pratica indipendente può crescere. Furia Mistica riflette sul rapporto tra underground e mainstream, sul rischio che la visibilità separi un progetto dalle sue radici e sulla mancanza, in Italia, di spazi e infrastrutture per l’arte. Ne emerge una prospettiva che lega il percorso personale a questioni collettive: la possibilità di sperimentare, il valore delle collaborazioni e la necessità di sostenere chi costruisce occasioni di incontro e produzione culturale.

Il tuo nome d’arte, Furia Mistica, è già una dichiarazione di intenti. Racchiude una tensione tra impulso e spiritualità, tra istinto e trascendenza. Come nasce questo nome e in che modo rappresenta la fase attuale del tuo percorso artistico?

Quando ero piccolo avevo la brutta abitudine di arrabbiarmi molto e non sapevo esattamente come gestire quella rabbia che per la maggior parte delle volte esplodeva in maniera drammatica. Per questo mi chiamavano Furia. Col tempo ho fatto pace con la mia furia, e oggi eccomi qui. Mistica invece mi fa sempre sorridere perché tutti pensano immediatamente ad un misticismo. Autodefinirsi mistici però sarebbe un po’ come autodefinirsi guru, non trovi? Penso sia qualcosa che abita in te involontariamente. La verità è che sono un grande fan del primo film di X-Men, e ho da sempre trovato Mystique un personaggio molto affascinante e vicino a me per la quantità di pelli che ho cambiato negli anni. Originariamente, il mio progetto si chiamava soltanto Mistiica, ma quando ho iniziato a portare live la mia musica, e non più a fare soltanto DJ, ho pensato che fosse giusto aggiungere al mio nome quel tratto originario. D’altronde la mia musica viene dalla mia parte primordiale. È un’altra manifestazione di quella furia che da piccolo esprimevo in modi molto meno cordiali haha.

Hai descritto il tuo ultimo progetto come un ritorno alle radici e l’inizio di una nuova era. Cosa significa, concretamente, “tornare all’essenza” nel tuo processo creativo? E quali trasformazioni personali hanno accompagnato questa evoluzione?

Tornare all’essenza per me ha un solo significato: riconnettersi con la parte di me più pura e autentica, il me bambino interiore che sogna con gli occhi pieni di meraviglia, con la mia curiosità e con il mio bisogno viscerale di creare con la mia furia.

Tutte le trasformazioni che ci sono state – e, ti garantisco, ce ne sono state e ce ne saranno ancora parecchie – sono frutti di esperimenti, di cose che ho imparato nel mio cammino personale e artistico che sembra essere tutt’altro che lineare. Questi mutamenti portano con sé persone, luoghi, ma anche momenti e passate versioni di me.

FURIA MISTICA mira esattamente a questo: spogliarsi di tutte le versioni accumulate e tornare a una forma viscerale più pura. Faccio musica per esorcizzare i miei demoni e celebrare questi continui cambiamenti che mi rendono ciò che sono ora, per ora.

Qual è stato il tuo background musicale/artistico/personale? Ci sono stati momenti, influenze o incontri decisivi che hanno orientato la tua ricerca verso questa forma così ibrida e personale?

Partiamo dall’inizio, anzi pure prima. Quando chiesi a mia madre della musica che ascoltava mentre era incinta di me mi rispose senza esitazione “AC/DC”. Che incredibile donna! A 6 anni rubai un CD a mio fratello, una persona estremamente ossessivo-compulsiva. Fu un’impresa eroica, viste le potenziali conseguenze. Però ne è valsa la pena, perché era To the Faithful Departed dei Cranberries, e penso di averlo usurato negli anni di ascolto a ripetizione. A 8 anni facevo il mio primo spettacolo a teatro e già capivo che la recitazione mi avrebbe accompagnato per molto molto tempo. Sì, nasco come attrice di teatro, per citare un’altra delle mie grandi muse ispiratrici, Valeria Marini. Questo sproloquio per dire che potenzialmente tutto fa parte del mio bagaglio: tutto quello che creo porta pezzi dei miei interessi e delle mie ricerche, anche quelle subconsce. Ora sento di iniziare a fondere tutti i miei processi artistici in uno, curando lo spazio visuale, performativo e musicale.

Il tempo cambia inevitabilmente chi siamo, e tu sembri abbracciare questa trasformazione. In che modo il cambiamento ha ridefinito il tuo suono, la tua estetica e il tuo modo di stare sul palco?

La capacità di cambiare, come avrai capito, è una parte fondamentale del mio processo artistico. Sono stata tante persone e ho sempre lasciato che il mondo e gli incontri nella vita scolpissero una parte di me. Non credo in un essere fisso, in una muta che scegliamo e che poi diventa una camicia di forza. In più mi annoio mortalmente: quando uno schema mi è chiaro me ne devo liberare, il senso di soffocamento mi spaventa. Oltretutto per immergersi a fondo nell’ecosistema esterno e interno a te stesso, essere mutabili è una necessità. O forse sono soltanto dei gemelli, chi lo sa.
Però, per dirti, ho un tatuaggio al centro della nuca che dice “I CHANGED MY MIND”
Solo gli stupidi non cambiano idea.

Puoi sentire questo approccio anche nel mio suono: a volte i cambiamenti avvengono all’interno della stessa traccia. Si parte da un mondo, lo si esplora e poi si passa al prossimo, continuando nello stesso viaggio. Per i miei live vale lo stesso: a volte vedrete una rockstar, a volte una creatura delle foreste, quella dopo una strana figura con occhiali scuri e completo oversize. Dipende dal viaggio in cui voglio portare chi mi ascolta.

Le tue performance creano un dialogo molto forte tra dimensione acustica e elettronica. Come costruisci questo equilibrio tra voce, chitarra e strumenti elettronici? È una fusione naturale o una tensione continua tra due linguaggi?

È una danza. Gli elementi organici si devono fondere con quelli elettronici e prendere spazio quando arriva il loro momento. Sicuramente la parte elettronica porta il mio lato più furioso, più intenso, mentre la voce racconta la storia. La mia voce rimane spesso molto ariosa per questo: deve avere spazio. Anche per questo avere delle mentine in tasca aiuta molto.

Nella tua scrittura — che sia lirica, poetica o narrativa — metti costantemente in discussione l’idea stessa di identità e realtà. Quando parli di “sé come processo, non oggetto”, stai anche ridefinendo il ruolo dell’artista oggi?

Penso che gli artisti abbiano lo stesso ruolo da sempre: quello di raccontare la vita, di mostrare possibilità non esplorate e aiutare a digerire e rendere tangibili emozioni che spesso sono difficili da canalizzare. Come quello del mistico, anche quello dell’artista è un ruolo che non andrebbe scelto o dichiarato, dovrebbe essere una necessità personale. Anche per questo ci ho messo anni a far uscire la mia musica. L’atto della creazione mi permette di decostruire l’idea che ho di me e allo stesso tempo mi avvicina al mio vero io, e come dicevo prima, fa parte del viaggio, della costante evoluzione a cui tutti siamo soggetti. Ognuno vive la propria transizione. E chi non vuole rendersene conto o spende la vita a cercare di evitarlo, che spreco!

“Siamo semi, foresta e aria, tanto quanto siamo umani.” Questa visione supera una prospettiva antropocentrica. Quanto la natura — reale o simbolica — entra nella tua pratica artistica?

Questa frase risponde da sé. Tutto ciò che facciamo fa parte della natura, impossibile dividere le due cose, la mia pratica artistica è natura.

**Come nasce la collaborazione con ohii katya? Cosa vi ha avvicinato e quali elementi del vostro dialogo creativo senti abbiano trasformato il tuo linguaggio?**

Parlando con Emilio Lucchetti, che in questo momento mi sta aiutando a preparare i vari show, gli dico: “Emi, vorrei che questo processo fosse una gigante collaborazione. Voglio coinvolgere altri artisti, includere altre discipline. Immergiamo l’audience in un vero e proprio viaggio.” Lui immediatamente mi mostra i lavori di Katya, di cui mi innamoro. Dopo pochi giorni sono volata a Berlino per incontrarla e capire se ci fosse terreno fertile per collaborare. Ci siamo sedute nel suo studio a Neukolln e in poco ci siamo accorte che la mia storia era molto simile alla sua: cresciute in ambienti completamente differenti, ma con esperienze molto simili. In più, i nostri gusti artistici erano completamente allineati. Dopo poche ore stavamo già pensando all’installazione. Sono così contento di aver avuto l’occasione di lavorare con un’artista così talentuosa, ma come con lei anche con Emanuele Algeri, ballerino con cui avevo già condiviso il palco in passato. Nulla di meraviglioso viene creato da soli: quando ti apri alla contaminazione, la magia vera si manifesta.

Il tuo modo di vestire è parte integrante della tua identità artistica e sembra opporsi alle logiche del mainstream. Quanto è importante per te usare il corpo e l’estetica come strumento?

Sono nato/a in un corpo non conforme, con parti molto mascoline mischiate a parti molto femminili. Mi sono sempre trovata a mio agio nel mio corpo, ma allo stesso tempo ho dovuto fare i conti con le conseguenze di non appartenere a una sola categoria, o non appartenere a nessuna categoria. A volte dall’alienazione deriva molta rabbia, e anche in questo caso cerco di trasformare quello che provo in espressione artistica. Le foto che vedete sono di Dimitri D’Ippolito: il nostro intento era incorporare la trasfigurazione sovrapponendo diverse immagini e rendere ancora più estremi i miei lunghi arti. Renderli alieni. Margherita Bonometti, la stylist che mi ha seguito, ha scelto abiti che, oltre a sottolineare questa mia natura aliena, trascendono il dualismo maschile/femminile. E spero che anche queste immagini, come la mia musica, risuonino nelle persone i cui corpi e le cui anime aliene sono in grado di creare panico nelle strutture più conservative della nostra società. Anche questo è un modo per dire che possiamo e dobbiamo crearci lo spazio che abbiamo il diritto di inabitare.

Oggi molti artisti inseguono il successo come obiettivo primario. Qual è, per te, il lato oscuro della fama? E come si può restare fedeli a sé stessi?

Recentemente un’amica, citando Anthony Bourdain, mi ha detto: “The more you progress, the more they are going to ask you to bite the dck, the most important thing is to never bite on that dck!” Questa citazione mi fa pensare al fatto che spesso l’underground viene risucchiato da chi ha più mezzi e più potere. E molto spesso, quando la cultura mainstream si appropria di qualcosa, lo stacca brutalmente dalle sue radici. Che è un po’ il patto col diavolo o col d*ck di cui parla Bourdain.
Due cose il potere non può comprare: la nostra storia e la nostra creatività.

Dal tuo punto di vista, quali sono le principali differenze tra il contesto italiano e quello internazionale? C’è spazio per una ricerca libera e non convenzionale, o esistono ancora limiti strutturali?

In Italia mancano strutture e infrastrutture per l’arte. Non soltanto luoghi di aggregazione spontanea (vogliamo parlare degli sgomberi avvenuti negli ultimi anni?), ma anche intermediari che sappiano parlare di musica, arte, cinema, cultura senza volersi ergere a guru, ma esprimendo semplicemente il loro gusto, la loro passione, e facendoti appassionare con loro. Questo dipende anche da questioni come fondi statali e politiche. Dopo Berlino, caso estremo, ho capito l’importanza di avere sovvenzioni e luoghi di ritrovo. l’italia non ha ancora capito che senza la filiera dell’arte e la passione per l’arte tutto il resto lentamente sfiorisce e le persone cercano quella poesia altrove. Gran peccato perché abbiamo un patrimonio artistico, un underground estremamente interessante e ricco. Ci sono curatori, curatrici, feste e festival che reggono sulle proprie spalle tutto il lavoro di aggregazione e promozione, ma qui la strada è ancora lunghissima.

Credits

Talent: Furia Mistica @mistiicaaa

Creative direction: Furia Mistica @mistiicaaa & Dimitri D’ippolito @dimitridippolito

Photography: Dimitri D’ippolito @dimitridippolito

Lighting: Luca Chiapatti @tonicarpaccio

Digital & Post production: Sara Blasone @blasonehiggs

Styling: Margherita Bonometti @margheritabonometti

Styling Assistant: Giorgia Maestri @giorgiamaestri.style

Mua & Hair: Serena Polh @serena_polh

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