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IN FOCUS: TRE QANI | SUPERFLAT

12.10

IN FOCUS: TRE QANI | SUPERFLAT

IN FOCUS: TRE QANI | SUPERFLAT

Di un festival rimangono spesso momenti a cui, mentre accadono, non sappiamo ancora dare un nome. Una traccia che cambia l’energia della sala, il riconoscersi nel movimento di qualcuno, la sensazione di poter stare esattamente dove si è. A Superflat, nella campagna alle porte di Parma, abbiamo ritrovato qualcosa di questa intimità collettiva: quel legame temporaneo, eppure concreto, che la musica riesce a creare tra persone che fino a poco prima non si conoscevano.

A custodire questa esperienza è PWCC, Postwar Cinema Club, un’ex azienda agricola diventata centro culturale indipendente. Superflat nasce qui e porta con sé la vita del luogo: il club, il giardino, le relazioni costruite nel tempo, l’apertura verso suoni e artisti che arrivano da lontano. Nelle due giornate del festival, la programmazione internazionale incontra la dimensione raccolta di uno spazio cresciuto attraverso la presenza delle persone. È anche da questa vicinanza che deriva il suo valore culturale: dalla possibilità di sentirsi coinvolti in qualcosa di cui prendersi cura.

Per Dario, quel coinvolgimento ha una storia precisa. A PWCC ha imparato a usare una console, a costruire un set, ad ascoltare anche ciò che accade dall’altra parte. Conosciuto come Deriansky, a Superflat si è esibito sotto il nome di tre qani, l’identità attraverso cui lascia più spazio ai suoni e può, come ci racconta, «stare zitto». Vedere il dancefloor reagire alle sue produzioni significava assistere a un momento di quel percorso: qualcosa nato da una ricerca personale trovava una risposta negli altri.

Classe 1999, nato in provincia di Reggio Emilia e cresciuto a Parma, Deriansky ha sviluppato il proprio linguaggio a partire dal rap, spingendolo verso l’elettronica sperimentale, la dubstep e una ricerca sonora strettamente legata all’immagine. Con Qholla, ripubblicato da Asian Fake nel 2020, e qonati, uscito nel 2022, ha dato forma a un universo inquieto, costruito anche attraverso il lavoro visivo di Nic Paranoia e le relazioni del collettivo Teamcro. Dietro la densità di quel mondo si avverte una domanda profondamente umana: come mostrarsi senza sentirsi completamente indifesi?

Nelle sue risposte, ogni nuova identità conserva qualcosa di questa esigenza. Cambiare nome permette di ricominciare, sottrarsi per un momento alle aspettative, recuperare il piacere di fare musica. E poi ci sono gli amici, quelli che ti vedono tentare prima che il tuo lavoro abbia una forma riconoscibile, e i luoghi in cui torni abbastanza volte da sentirti parte della loro storia.

Incontrare Deriansky a Superflat ci ha portati a parlare di tutto questo. Di fragilità e appartenenza, della libertà di attraversare linguaggi diversi, della fiducia necessaria per esporsi. Con ancora addosso il ricordo del suo set e di quella risposta del pubblico: un momento in cui ciò che nasce dentro una persona diventa, attraverso la musica, qualcosa che gli altri possono sentire.

Come ti sei avvicinato alla musica? C’è stato un momento preciso in cui hai capito che non volevi soltanto ascoltarla, ma costruire un tuo linguaggio? Quali sono stati i riferimenti che ti hanno formato davvero? Non necessariamente solo musicali: anche immagini, persone, luoghi, film.

Diciamo che la musica me la sono cercata. A casa mia non c’era il culto della musica: nessun musicista, nessun collezionista di dischi. Si ascoltavano i classici italiani, da Lucio Battisti a Baglioni, Mina. Ascoltavo sta roba in macchina e cantavo, da bambino, seduto dietro. Quello è stato il primo approccio: già seguivo il ritmo, mi piaceva. Passavo tanto tempo in macchina con i miei genitori, a fare avanti e indietro, e ascoltavamo sempre quella musica.

Poi ho continuato ad ascoltarla e ad associarci l’immaginazione: quando ascoltavo mi immaginavo tante cose, scenari. Ho iniziato un corso di chitarra classica quando avevo nove o dieci anni. Io volevo fare percussioni, però per un motivo o per un altro sono finito a studiare chitarra. Lì ho imparato soprattutto il solfeggio e ho iniziato a capire la complessità di una composizione, a rendermi conto che la musica aveva vari strati.

Col tempo mi sono ritrovato una DAW sul computer, perché un mio amico me l’aveva passata. Ascoltavo di tutto: avevo iniziato con il rap, l’elettronica, e poi ho cominciato a farla. Non c’è stato un momento preciso in cui ho deciso: «Adesso faccio musica». È stata una serie di eventi, alcuni casuali, altri per cui magari avevo insistito con i miei genitori, che mi hanno inserito in una mentalità in cui la musica la si può anche fare.

Perché, se metti una chitarra in mano a un bambino, lui si rende conto che la musica si può fare. Poi studi quelle canzoncine da principiante, che io ancora oggi so suonare: sono motivetti che mi hanno cambiato totalmente. È così che mi sono avvicinato.

Nel tuo universo ci sono diverse identità: Dario, Deriansky, tre qani, Mastiff. Mi interessa capire se sono semplicemente nomi diversi o se ognuno rappresenta una parte precisa di te. Hai raccontato che Dario è la persona “normale”, anche quella che può sentirsi a disagio, mentre Deriansky, attraverso la maschera, azzera il giudizio e prova a guardare il mondo quasi come un bambino, ricostruendolo da zero. Quanto avevi bisogno di creare questa distanza da te stesso? E allora tre qani chi è? Che spazio occupa tra Dario e Deriansky?

È una cosa che nel tempo ho analizzato tanto. I cambi di nome, l’aggiunta di pseudonimi, vengono da un’insicurezza di sé. Uno si crea un nome d’arte attraverso cui può sfuggire, magari, a certe cose interne. Io ero Dario e ho creato Mastif Derio: era il mio alter ego, quello in cui potevo sfogarmi e che potevo plasmare come volevo. Potevo costruire la sua storia da zero, senza doverla subire in base alla vita.

Una volta che Mastifderio si è saturato, perché anche lui aveva preso un’identità, avevo bisogno di un nuovo inizio, di una nuova ispirazione. Quindi è nato Deriansky, che mi ha un po’ salvato. Ero sempre io a fare musica, ma quando la facevo da Mastifderio ero più insicuro; quando la facevo da Deriansky ero la stessa persona, nella stessa stanza, nello stesso periodo, però mi sentivo molto più libero e facevo le cose fighe.

Questo processo, se vuoi, si è ripetuto con tre qani. Dopo che Deriansky aveva ottenuto una forte identità come rapper, con le label e tutto, avevo bisogno di ricominciare da zero, di una tela bianca per ispirarmi nuovamente. Un personaggio nuovo e misterioso, anche per me, rendeva più efficace il mio processo creativo.

Non è una cosa che reputo sana, ma è il mio modo di dare benzina alla storia della mia arte. Non è il singolo personaggio a rappresentare tutta la mia musica: ogni personaggio che creo fa parte di un grosso processo. Il percorso, alla fine, è di Dario, perché è Dario quello che rimane sempre.

Mastifderio è uno pseudonimo che è morto, mentre Deriansky e tre qani convivono da sempre. Io tre qani lo usavo ancora prima che uscisse Qholla, lo citavo nelle canzoni. È venuto fuori adesso perché Deriansky era sì percepito come producer, ma non soltanto come producer o DJ: avevo bisogno di uno pseudonimo anche per essere muto. E tre qani era quello più naturale, perché esisteva già.

Deriansky si esprime molto ed è molto vulnerabile. Per quanto la narrazione possa essere cinica, sicura o cosciente, alla fine rappresenta una parte vulnerabile di me. Tre qani concede quel pizzico di creatività: non è Dario, c’è un progetto artistico, ma allo stesso tempo non è esposto come Deriansky. Con tre qani posso rifugiarmi nei suoni e basta, e stare zitto.

Deriansky sembra quasi ingenuo nel senso più puro del termine: pensa di poter fare del bene senza sapere davvero come verrà percepito dal mondo. Quanto c’è di te in questa fragilità?

Deriansky vuole esprimere un disagio rispetto a come uno percepisce il mondo. Molto spesso creo un personaggio che esagera degli stati d’animo o delle convinzioni, che a volte virano quasi sull’assurdo, proprio per rappresentare un disagio con la società attuale.

Rappresenta un po’ la sensazione di essere buttato in un sistema, in un ecosistema, se vuoi, e dover far finta di essere completamente indottrinato all’idea che bisogna riuscire a starci. Bisogna lavorare, bisogna seguire questo e quell’altro. C’è molta critica sociale.

Questa fragilità che si percepisce in Deriansky fa parte della mia persona: sono sempre stato un po’ in dubbio sulla mia capacità di relazionarmi alle persone e agli eventi. Non è la totalità di me, ma è una parte che esiste e che viene fuori attraverso il personaggio.

Il tuo progetto ha un’identità visiva molto precisa. Da dove nasce quell’estetica? Quali sono le immagini che avevi in testa quando hai iniziato a costruire Deriansky? Quanto è stata importante la collaborazione con Nic Paranoia nel dare una forma visiva a questo universo?

Come dicevo, per me la musica è sempre stata associata all’immaginare, al creare immagini nella testa. Avevo già ben chiari i colori, il mood, perché li immaginavo. Mi sono sempre piaciute le colonne sonore che trasmettevano molte emozioni, anche ascoltate senza guardare il film. Mia madre si guardava L’ultimo samurai, io giocavo in salotto e mi ascoltavo stravolentieri la colonna sonora.

A livello di immaginario, come a tanti bambini, mi sono sempre piaciuti i mostri, i dinosauri. È partito tutto da lì: il cattivo mi piaceva sempre più del buono. Poi si è sviluppato attraverso vari interessi. Le reference possono essere infinite, non te ne so citare una precisa: è proprio una questione di gusto.

Mi è sempre piaciuta quell’arte visiva che mi colpisse e mi facesse fare una domanda: «Sto provando una sensazione, ma non so se è buona o cattiva. Mi intriga, ma allo stesso tempo mi distanzia». È la stessa cosa che cerco di trasmettere con la musica.

Nic è stato fondamentale, oltre a essere un mio carissimo amico e collaboratore. Abbiamo un gusto molto simile. Anche lui gioca molto su questa leva: le sue cose ti colpiscono e ti fanno provare sensazioni a volte contrastanti. Può essere orrore, curiosità, orrore mischiato a curiosità, oppure schifo. Insomma, ti intriga.

Quando ho iniziato a costruire Deriansky, le immagini che avevo in testa erano molto industriali, fatte di macchine. Poi l’immaginario si è sviluppato e con con qonati, il mio secondo disco, è entrata una parte molto più organica: le muffe, per farti capire a grandi linee.

Oltre a Nic, vorrei citare Giorgio Cassano e Bruno Raciti, che hanno fatto tutti i video di Qholla e con qonati. Sono stati fondamentali, visionari, e hanno aiutato a costruire un immaginario che si evolve mentre lo fai. Non è un percorso che abbiamo già fatto dall’inizio alla fine, che prepariamo e poi diamo al pubblico. Per me è talmente viscerale che il percorso avviene mentre crei il progetto. Non sai nemmeno dove andrà a finire quando ci stai lavorando.

Quanto cinema c’è dentro Deriansky? Ci sono registi, film o scene che hanno influenzato direttamente il tuo modo di pensare la musica e l’estetica?

Qui sarò molto onesto: non sono un cinefilo incredibile. Ho visto diversi film durante la mia vita, sin da bambino, perché mia madre li guardava e quindi li guardavo anch’io. Però non mi definisco un cinefilo o un esperto. Ho anche un archivio mentale pessimo, quindi ti dico quelli che mi vengono in mente.

Di cinema ce n’è stato tanto, ma anche di videoclip musicali. Sono appassionato alla regia delle cose che mi piacciono, più che a una forma in particolare, che sia cinema o altro. La cosa di cui sono sicuro è il gusto che ho, più delle reference.

Ho dei ricordi ben chiari di film che mi hanno toccato, come L’uomo senza sonno, La città proibita, Saw. Ho visto tutti i Saw, sin da piccolo. Sono sempre stato appassionato anche a quel genere un po’ splatter, super horror, fastidioso. Ancora oggi magari mi guardo quello del pagliaccio che ammazza tutti…

Vorrei parlare anche di Teamcro. Quanto è stato importante avere intorno persone con cui condividere un immaginario, soprattutto in una fase in cui magari quello che facevi non era ancora facilmente collocabile? Quanto, secondo te, una scena si costruisce attraverso la musica e quanto invece attraverso amicizie, spazi, incontri e fiducia?

Farei un passo indietro: l’incontro con gli amici che poi sono diventati Teamcro è stato, ed è tuttora, una parte fondamentale della mia vita, personale e non. Incontrarsi, condividere un gusto e soprattutto una voglia di fare. Non c’era solo la voglia di confrontarsi e scoprire, ma anche quella di esprimersi, tutti.

C’era stima reciproca, ed è stato decisivo: ci siamo spronati a vicenda, ci siamo legittimati a sperimentare ancora di più, vedendo gli altri mettersi in gioco.

Ci siamo anche contestualizzati a vicenda. Deriansky senza Teamcro dietro avrebbe meno credibilità, come tutti noi, d’altronde. I nostri percorsi artistici sono stati molto contestualizzati da Teamcro: quando scopri un artista del collettivo, che può essere Michael, Eden, Deepho, sai che dietro c’è anche tutta una scena di persone.

Poi dipende da quale scena parliamo. Se parliamo di scena musicale, la musica conta, certo. Ma se parliamo di movimenti, contenitori, nicchie, una scena si crea con gli eventi, conoscendosi, condividendo le cose.

Noi di Teamcro abbiamo una nostra micro scena che abbiamo coltivato soprattutto attraverso spostamenti e incontri. Ogni volta che fai qualcosa di nuovo esci da una zona di comfort. Fare solo musica non ti porta necessariamente fuori da quella zona sul piano pratico, anche se magari lo fa sul piano tecnico.

Credo che la formazione di una scena si basi sui contatti, e che i contatti si basino su esperienze condivise o proposte: è lì che si creano i legami più forti. I social aiutano, chiaramente, ma continuo a percepire la presenza fisica come una parte fondamentale del processo.

Hai suonato a Superflat, mentre a PWCC hai una residenza che ti permette di costruire nel tempo una tua identità e una tua visione. Quanto è importante, oggi, avere luoghi che non siano soltanto spazi in cui esibirsi, ma contesti in cui potersi esprimere liberamente, sperimentare e far crescere un linguaggio personale?

È fondamentale, anche perché ci troviamo in un periodo storico in cui molti di questi luoghi stanno chiudendo o hanno grossi problemi a rimanere aperti, a prescindere da tutti i discorsi sulla legalità o meno. Il valore di alcuni luoghi di aggregazione, e soprattutto il motivo per cui esistono, sono un patrimonio che dovremmo difendere di più.

PWCC è stato per me una palestra incredibile. Ho imparato a suonare, a utilizzare una console, a costruire un set. Ho conosciuto tante persone, professionisti e artisti che passavano di là. È un luogo di cui tengo molto a prendermi cura, nel mio campo, dando sempre il massimo quando suono o quando si organizza qualcosa.

È fondamentale avere posti in cui suonare, esprimersi e conoscere altre persone che condividono qualcosa che ti piace. PWCC non è stato il primo luogo di questo genere che ho frequentato: sin da piccolo ho frequentato centri sociali e luoghi di aggregazione che mi hanno formato molto a livello artistico. Sono molto fan di questo genere di posti.

Durante il tuo DJ set a Superflat c’è stata una reazione molto forte del dancefloor, soprattutto quando hai suonato le tue tracce. Che effetto ti fa vedere la tua musica funzionare fisicamente sulle persone? Quanto cambia per te stare dietro una console rispetto a fare un live in cui canti e sei molto più esposto?

È stata una figata. È piacevole perché ti rendi conto di aver fatto qualcosa che può essere declinato anche in una situazione diversa dal solito: un DJ set rispetto a un live. Poi ci sono tracce e tracce. Quelle che ho messo erano pensate anche per essere suonate in un set, quindi ho avuto la conferma che avevamo fatto bingo nel produrle.

Detto questo, cambia tantissimo stare dietro una console rispetto a fare un live. Il live è anche un’esperienza fisica molto più faticosa e necessita di una preparazione maggiore.

Nel DJ set, almeno per me, una volta acquisita la tecnica e avendo una selecta, la cosa più importante è essere percettivi: capire come stai andando tu e come la gente ti sta percependo. Non vuol dire fare ciò che ti chiede la gente. A volte mi è capitato di incanalarmi in una direzione che avevo deciso prima del set, sentire mentre suonavo che non era quella giusta e ostinarmi comunque.

Più vado avanti, come è successo a Superflat, più mi rendo conto che il set si costruisce anche facendolo. A volte lo vivo quasi in maniera introspettiva, mentre il live è proprio buttare fuori, è molto più contatto con la gente.

Ultimamente mi piace di più fare DJ set perché posso variare di più, parlare più lingue, attraversare più mood, mentre il mio repertorio rap si limita, effettivamente, al rap. Non ti nego che un giorno sarebbe figo esplorare anche l’unione dei due mondi.

L’idea di “keep it real” viene molto dalla cultura hip-hop, ma oggi può voler dire tante cose. Per te cosa significa essere sinceri con se stessi e con quello che si sta facendo?

Lo reputo fondamentale. Essere sinceri con se stessi è alla base della serenità, a prescindere dalla musica, dalla scena e dalle culture, a mio avviso.

Anche perché, quando non si è sinceri con se stessi, ci si intoppa. Prima o poi ci si intoppa per forza. Può durare per un po’, ma qualsiasi sia la tua storia, la tua motivazione o la tua sensazione, devi perlomeno prenderla in considerazione.

Fingere con gli altri e con te stesso ti porterà sempre a qualcosa di negativo. Da una parte la bilancia andrà: magari fingere ti aiuta sotto un aspetto, ma sicuramente da un altro ti farà male.

Marc Augé parlava dei “non-luoghi” come spazi in cui identità e appartenenza sembrano sospese. Ti è mai capitato di sentirti fuoriluogo proprio dentro certi contesti o scene?

Sicuramente sì. Però crescendo, e forse anche avendo la fortuna di avere un collettivo, mi sono reso conto che è più facile uscire dai posti in cui ti senti fuori luogo, se conosci le sensazioni che provi. Sto parlando del mondo musicale: sul piano personale è più complesso.

Mi è capitato di sentirmi fuori luogo, ma anche di non volerne uscire, perché sotto un certo punto di vista era comodo sentirsi così.

Mi sono esibito in contesti in cui mi confrontavo con una scena rap molto diversa da quello che stavo trasmettendo. Altre volte mi sono sentito fuori luogo in situazioni più sperimentali, non fighette, ma quasi troppo ricercate per me.

A volte mi sono sentito a cavallo tra due cose. Mi piace la grezzaggine, tra virgolette, del rap: il linguaggio, l’immaginario, lo stile, il modo di parlare, lo slang. Ma mi piace anche tanto altro che appartiene a un mondo più sperimentale, più ricercato.

Se pensiamo al punk, all’hip-hop o alla rave culture, spesso la musica nasceva anche da un disagio sociale e dal bisogno di trovare uno spazio proprio. Secondo te oggi succede ancora? La musica riesce ancora a raccontare chi si sente fuori posto?

Assolutamente sì. Anzi, per quanto mi riguarda, forse oggi siamo al massimo di questa roba. Sento dire che ultimamente la musica è molto superficiale e, sotto alcuni aspetti, posso anche essere d’accordo. Ma facendo un’analisi più profonda dello scenario musicale mondiale, mi rendo conto che alcune persone cercano di trasmettere un disagio e, involontariamente o inconsciamente, ne stanno trasmettendo un altro.

Parlare di droghe e armi, per esempio, rappresenta in realtà un disagio grosso della nostra società. Credo che oggi sia molto così: non sempre il messaggio che arriva è quello che è stato mandato.

Se vogliamo fare un’analisi più completa e distaccata della situazione, non bisogna prendere i testi soltanto alla lettera. Adesso sto pensando al mondo rap, ma credo che anche nell’industria mainstream ci siano molte più pillole di politica. Ci si sta rendendo conto che esprimersi, in qualsiasi caso, è politica e basta.

PH: Mattia Acito

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