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Music

IN CONVERSATION WITH: ORBIT

words: Tatiana Tardio

29.06

IN CONVERSATION WITH: ORBIT

IN CONVERSATION WITH: ORBIT

Per molto tempo la musica elettronica ha costruito il proprio immaginario attorno alla velocità: città, club, festival, reti globali, flussi continui di persone e informazioni. Oggi, però, una parte della scena sembra cercare altrove. Non un ritorno nostalgico al passato, ma la possibilità di rallentare, di ritrovare uno spazio dove il suono possa tornare a essere esperienza prima ancora che intrattenimento.

orbit appartiene a questa traiettoria. La sua musica non rincorre il climax né l’urgenza della pista: lavora sulle pause, sulla vulnerabilità, sulla capacità del suono di dare forma a emozioni che spesso sfuggono al linguaggio. È un’elettronica che continua a parlare al corpo, ma passando prima dall’interiorità.

In occasione della sua apertura al live di Ben Böhmer a Milano, abbiamo parlato con lui di autenticità, comunità, crescita personale e del valore di restare fedeli a un’idea di musica che, anche quando attraversa il mondo, continua a nascere da un luogo profondamente umano.

Spesso descrivi la tua musica come un ponte tra il mondo interiore e l’esperienza reale. Quali emozioni o immagini speri che il pubblico porti con sé dopo un tuo live?

La mia musica nasce davvero da un luogo molto profondo dentro di me. Spesso è legata a situazioni della vita reale, ma non sempre riesco a tradurre quelle sensazioni in parole, quindi uso la musica per dare forma al mio mondo interiore.

Credo sinceramente che, anche se le persone non condividono le stesse esperienze di vita, la musica possa comunque mettere in comunicazione ciò che abbiamo di più intimo. E quando succede, lo si percepisce davvero. Quando tutti si abbandonano completamente all’esperienza, ridiamo e piangiamo insieme, e si crea una connessione più profonda tra noi. Per me è come tornare a casa, e spero che anche il pubblico possa provare la stessa sensazione.

Il tuo percorso ti ha portato da una piccola città della Germania settentrionale ai palchi di tutto il mondo. Il successo ha cambiato il tuo rapporto con la musica oppure ha rafforzato i valori con cui hai iniziato?

È una domanda bellissima. Più questo progetto cresce, più sento il bisogno di proteggere quel rapporto. Le condizioni in cui si crea musica cambiano molto quando arriva il successo. Diventa sempre più difficile trovare il tempo per comporre e dare priorità alla musica rispetto a tutto ciò che ruota attorno alla sua promozione.

Anche se già oggi ci riesco abbastanza, è impossibile ignorare completamente la pressione di un’industria musicale che si muove a una velocità incredibile. Per questo io e il mio team proteggiamo questo rapporto come fosse un sacro Graal, affinché il cuore del progetto — fare musica, essere creativi e divertirsi — non venga mai meno.

Quando compongo, mi sembra ancora di giocare con un vecchio amico che conosco fin dall’infanzia. E sono convinto che questo non cambierà mai.

Molti artisti si trasferiscono nelle grandi capitali culturali in cerca di ispirazione, mentre tu hai trovato la tua tornando a casa. Cosa pensi che la scena elettronica possa imparare dai luoghi più periferici e dai ritmi più lenti?

Qui la vita è davvero semplice e lenta, in netto contrasto con il ritmo frenetico delle grandi città e delle scene musicali che ho conosciuto negli ultimi anni.

A nessuno interessa davvero quale sarà il prossimo hype, il party del momento o la label più in voga. Credo che questo renda più facile restare in salute e fedeli a sé stessi. Allo stesso tempo penso che quell’equilibrio si possa trovare anche vivendo in città.

Il tuo progetto ha sempre mantenuto un forte spirito DIY, anche crescendo a livello internazionale. In un’industria musicale dove tutto sembra accelerare continuamente, quanto è difficile proteggere quel senso di autenticità?

È davvero difficile. Conosco molti artisti che hanno abbandonato la loro carriera non perché mancassero talento o successo, ma perché hanno perso di vista il motivo per cui avevano iniziato.

Mi considero estremamente fortunato ad avere accanto amici che fanno parte del team e che proteggono l’idea originaria del progetto, che è sempre stata quella di essere creativi e divertirsi insieme.

Cerchiamo di prendere ogni decisione con il cuore, chiedendoci continuamente il perché delle cose che facciamo. Finora ha funzionato. Ma, onestamente, non so se sarebbe possibile senza avere i miei amici al mio fianco.

Hai costruito una comunità che sembra partecipare davvero all’evoluzione di orbit. Come è cambiato il tuo rapporto con il pubblico negli anni e cosa ti hanno insegnato i tuoi ascoltatori sulla tua stessa musica?

Io e i miei amici abbiamo fatto il nostro primo tour nel 2021, organizzato da persone della nostra piccola community online che ci ospitavano addirittura nelle loro case.

È stata un’esperienza incredibilmente intima ed emozionante, e da quel momento ci siamo promessi di mantenere sempre quel tipo di rapporto con la nostra comunità.

L’unica cosa che è cambiata è la dimensione. Quelli che all’inizio erano pochi sostenitori in Germania oggi sono centinaia di persone sparse in tutto il mondo. Ma la sensazione è rimasta identica.

È una comunità bellissima, partecipativa, composta da persone che vogliono semplicemente condividere momenti autentici. Continuiamo ancora oggi a creare eventi insieme e tutto sembra vicino come agli inizi. Di questo sono davvero felice e grato.

Aprirai il concerto di Ben Böhmer a Milano. Cosa pensi accomuni il tuo universo musicale al suo e cosa rende naturale questa collaborazione?

Ricordo perfettamente la prima volta che ho ascoltato la musica di Ben. Era durante il nostro tour del 2021. Io e i miei amici stavamo ballando nel seminterrato di un vecchio edificio a pochi chilometri da Berlino.

L’ultima traccia della serata era Father Ocean e mi colpì profondamente. Qualche sera dopo, nello stesso tour ma con persone completamente diverse, qualcuno mise di nuovo un suo brano e successe la stessa cosa.

Pur avendo differenze stilistiche evidenti, credo che la nostra musica parli una lingua emotiva molto simile. Per questo, quando Ben mi ha scritto dicendomi che apprezzava la mia musica, ne sono rimasto sinceramente senza parole.

La musica elettronica viene spesso associata ai club e alla nightlife, mentre il tuo lavoro sembra invitare a uno spazio più riflessivo ed emotivo. Pensi che oggi il pubblico stia cercando un modo diverso di vivere questo linguaggio musicale?

Penso che moltissime persone vogliano ancora semplicemente ballare e fare festa, e questo avrà sempre un ruolo fondamentale nella musica elettronica.

Ma sento anche crescere il bisogno di contesti più intimi, luoghi in cui sentirsi abbastanza al sicuro da lasciarsi andare ed esplorare il proprio mondo interiore.

Soprattutto durante i piccoli concerti DIY percepisco quanto il pubblico sia grato di poter vivere emozioni profonde e una connessione autentica con gli altri. E, sinceramente, è qualcosa di cui sento il bisogno anch’io.

Negli ultimi dieci anni la cultura della musica elettronica è diventata sempre più globale. Dal tuo punto di vista, cosa rende ancora speciale una scena locale nel 2026?

Credo che le scene locali siano profondamente legate alle persone e ai luoghi che le ospitano. È questo a renderle uniche, anche quando stanno suonando la stessa traccia che viene riprodotta in un club dall’altra parte del mondo.

Durante un tour con Christian Löffler abbiamo suonato in una piccola cittadina canadese chiamata Nelson. C’era qualcosa di irripetibile in quel club e nel modo in cui le persone vivevano la serata: è difficile perfino descriverlo.

Anche le storie che il promoter ci raccontava mentre attraversavamo la città avevano un sapore tutto loro. Avevano una cultura davvero unica.

Credo che la globalizzazione renda semplicemente la musica più accessibile. Non distrugge le scene locali.

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