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Music

Jabu at LOST Music Festival: full pressure

words: Giulia Massara

24.06

Jabu at LOST Music Festival: full pressure

Jabu at LOST Music Festival: full pressure

Bristol non è più quella storia ordinata che si racconta nei press release: dub, trip-hop, sound system culture come se tutto avesse un centro chiaro. È piuttosto un rumore di fondo che non si è mai davvero spento, oggi spezzato e disseminato, senza più la forma compatta di una scena. In questo paesaggio di dispersioni, LOST Music Festival si inserisce come ipotesi precisa: non raccontare la musica come eredità, ma come esperienza situata, dove il suono viene rimesso in circolo dentro condizioni di ascolto ridefinite.

È in questo stesso spazio che si muovono i Jabu, non come rappresentanti di una tradizione ma come parte di una sensibilità diffusa: una città dove punk, elettronica, hip hop, dub e cultura DIY convivono senza gerarchie, producendo linguaggi porosi, più interessati alla vibrazione che alla definizione. La loro musica lavora su questo principio di apertura, dove i materiali non si chiudono mai in una forma definitiva.

Se negli anni Novanta Bristol aveva condensato una propria identità in figure come Massive Attack e Portishead, oggi quel modello si è dissolto in una costellazione di pratiche. La fisicità del dub, la tensione post-punk, il gesto del sampling e le logiche dell’underground non convergono più in un’estetica unitaria, ma continuano a produrre relazioni mobili tra suono e memoria.

In questo scenario, LOST Music Festival propone un cambio di prospettiva: lo spazio non come contenitore neutro ma come parte attiva dell’ascolto. L’esperienza non è costruita sull’eccesso o sulla saturazione, ma su una precisione percettiva che valorizza prossimità, dettaglio e continuità. Il live diventa una forma di presenza condivisa, in cui suono e ambiente si definiscono reciprocamente.

Per i Jabu, questa impostazione trova una naturale risonanza. La loro scrittura sonora, fatta di sottrazioni, micro-fratture e dinamiche basse, si innesta in un contesto che ne esalta la qualità più diretta: la capacità di rendere udibile ciò che normalmente resta sul bordo della percezione.

LOST Music Festival si afferma così come un dispositivo di ascolto prima ancora che come festival: un modo di pensare la performance come co-presenza, dove il suono non si impone ma si dispone nello spazio, costruendo una forma di attenzione collettiva.

Ciao ragazzi, benvenuti negli spazi di t-mag!

Possiamo dire che vi siete formati in un contesto in cui post-rave, ambient, dub e derive post-club non sono scene, ma materiali da smontare e ricomporre: nei vostri lavori il riferimento non funziona come citazione, ma come frizione continua, perdita di forma, attrito. Siete spesso letti attraverso etichette come dub, trip-hop, shoegaze o post-punk, ma dentro i dischi questi linguaggi sembrano già disinnescati, quasi ridotti a residui sonori: quando una definizione troppo rigida di un linguaggio smette di essere risorsa e diventa solo vincolo?

Penso che a volte queste etichette possano essere utili come una sorta di scorciatoia per descrivere qualcosa, ma sono anche estremamente soggettive e assumono significati diversi a seconda di chi le usa. Credo che ci siamo sempre sentiti un po’ estranei alle scene musicali specifiche, quindi non abbiamo mai dato troppo peso alla questione dei generi o delle classificazioni. Tra tutte, forse il dub è quello che ci interessa di più perché è un linguaggio molto aperto: più che un genere è un processo, l’idea di trovare nuove forme e nuovi spazi nella musica attraverso la sottrazione, e poi espandere quel materiale attraverso riverbero, delay e altri trattamenti. Ci piace il fatto che questo approccio possa essere applicato a qualsiasi tipo di musica.

Molta musica sperimentale oggi è sorprendentemente leggibile, quasi didattica. Nei vostri lavori resta invece una zona d’attrito. È una scelta o una conseguenza?

Credo sia soprattutto una conseguenza del fatto che abbiamo tutti background musicali molto diversi, così come esperienze personali diverse. Anche i nostri primi ricordi legati alla musica arrivano da mondi piuttosto lontani tra loro.

Ci siamo conosciuti da adolescenti e io (Amos) e Al eravamo — e lo siamo ancora — molto appassionati di hip hop, cosa che ci ha avvicinati molto.
Per me, invece, le prime influenze erano cose come Bruce Springsteen, Tracy Chapman, Grateful Dead e Steel Pulse.
Al è cresciuto ascoltando Sade, Luther Vandross e i CD hip hop che riceveva dai suoi cugini a Birmingham.
Jas invece aveva riferimenti come X-Ray Spex, Buzzcocks ed Echo and the Bunnymen, arrivati attraverso i suoi genitori.

Bristol continua a essere raccontata tramite pochi miti ricorrenti: sound system, trip-hop, post-rave. Qual è l’inaccuratezza più persistente su quella scena?

Tutto quello che viene associato a Bristol è realmente accaduto, ma forse l’equivoco più comune è pensare che la città sia ancora quel luogo utopico in cui culture diverse convivono naturalmente e si incontrano attraverso la musica. In parte succede ancora, ma Bristol è anche una città molto divisa, con aree estremamente ricche e altre molto povere.

Credo che molta musica importante sia nata in un momento storico in cui era più facile per gli artisti della classe lavoratrice creare, incontrarsi e mescolare esperienze diverse. Ed è proprio da quegli incontri che spesso nascono cose interessanti. Oggi Bristol assomiglia molto ad altre città: molte persone vengono progressivamente spinte fuori dal centro e la separazione sociale, economica e razziale è sempre più evidente.

Ci sono ancora moltissime realtà interessanti che esistono qui, ma spesso rimangono invisibili perché molte persone devono lavorare costantemente per sopravvivere. Allo stesso tempo, molte persone che arrivano in città da fuori lo fanno portandosi dietro un’immagine idealizzata di quello che Bristol dovrebbe essere.

La nostalgia sembra una delle forze dominanti del presente. Quando lavorate con forme storicizzate, come evitate che il passato diventi il centro?

Non saprei dirlo con precisione. Credo che il fatto di lavorare insieme nella stessa stanza renda tutto automaticamente nuovo. I riferimenti esistono sempre, ma in studio ci stiamo concentrando soprattutto sul piacere di creare musica insieme, senza analizzare troppo da dove arrivino certe influenze. Quando lavoriamo non pensiamo davvero ai nostri riferimenti.

Il dub nasce anche dall’errore e dalla manipolazione. Dal vivo, quanto conta ancora l’imprevisto? In Ashes Over Shute Shelve si percepisce una tensione tra struttura e dissoluzione. È un’idea originaria o un’emergenza del processo?

Credo che abbiamo suonato quel brano dal vivo solo una volta, in una chiesa a Bristol durante il lancio dell’album. Mia madre mi ha raccontato che la luna è sorta illuminando la finestra mentre D (Daniela Dyson) leggeva le parole di mio padre: è stato un momento molto speciale.

Per quanto riguarda la scrittura del brano, era nato semplicemente da un campione passato attraverso un pedale, che ha creato il loop principale. Stavo cercando qualcosa su cui D potesse leggere quella poesia e quella soluzione sembrava essere quella giusta. Non credo che affrontiamo davvero la musica attraverso concetti così definiti come struttura o dissoluzione.

Quella canzone era molto personale per me (Amos), quindi il criterio principale era capire se avesse una verità emotiva, se funzionasse a quel livello.

Il LOST Music Festival è un festival che costruisce situazioni rituali; l’isolamento acustico diventa una condizione percettiva più che tecnica e spinge l’ascolto verso qualcosa di immersivo e quasi allucinato. Quando vi trovate in un contesto così puro, come cambia il modo in cui costruite il vostro set? E, più in generale, mentre molti spazi live cercano di ridurre attrito e rischio per risultare più immediati, cosa succede quando scegliete la direzione opposta, dove l’ascolto torna centrale ma anche più libero?

Forse partiamo da un punto di vista leggermente diverso, perché abbiamo suonato per molto tempo in club e contesti simili, anche davanti a persone che non erano necessariamente interessate a quello che facevamo o con cui, in rare occasioni, abbiamo vissuto momenti di vero attrito. Qualsiasi situazione in cui le persone sono disposte ad ascoltare e lasciarsi coinvolgere è qualcosa che apprezziamo molto e che non diamo mai per scontato.

Il LOST Music Festival lavora su un’essenzialità creativa che centralizza la capacità immersiva dell’isolamento acustico, predisponendo l’ascoltatore a una forma di perdita più radicale. Per un live pensato in quel contesto, state lavorando più sullo spazio fisico o sulla materia sonora?

Credo che avere Birthmark con noi questa volta porti il set verso una dimensione più vicina al dub, perché lui controlla strumenti ed effetti in tempo reale attraverso il mixer. Anche se in alcuni brani questo aspetto può essere meno evidente, la presenza fisica del suono rimane sempre fondamentale, proprio come accade nel dub quando la musica viene riprodotta attraverso un impianto adeguato: il suono smette quasi di essere solo qualcosa da ascoltare e diventa un oggetto fisico presente nella stanza.

Lost Music Festival 3, 4 & 5 luglio 2026 – Labirinto della Masone (Parma)

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