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Fashion,Music

IN CONVERSATION WITH: ONIRIK

words: Tatiana Tardio

11.06

IN CONVERSATION WITH: ONIRIK

IN CONVERSATION WITH: ONIRIK

In un’epoca in cui la figura del DJ sembra oscillare continuamente tra estetica e contenuto, e in cui la musica elettronica attraversa trasformazioni sempre più rapide tra underground e mainstream, la storia di Onirik va in controtendenza.

Cresciuto tra Belgio, Italia e alcune delle capitali europee della club culture, il suo percorso non segue una traiettoria lineare. Si costruisce attraverso tentativi, intuizioni ed una tensione costante tra istinto e consapevolezza. Dalla scoperta dei primi dischi a Bruxelles alla scena di Londra e Berlino, passando per anni di lavoro nella distribuzione, Federico incarna una figura ibrida: artista, osservatore e parte attiva di un ecosistema in continuo mutamento.

A definire la traiettoria di Onirik negli ultimi anni è soprattutto un lavoro costante sulla produzione: una ricerca che attraversa acid, electro, breakbeat e contaminazioni più difficili da catalogare, sviluppata lontano dalle scorciatoie del mercato e costruita attraverso una progressiva affinazione del proprio linguaggio musicale. Le sue produzioni raccontano un percorso coerente, fatto di sperimentazione ed attenzione al dettaglio, in cui ogni pubblicazione sembra aggiungere un nuovo tassello ad una visione in continua evoluzione.

Visione in cui si inserisce la prossima uscita su Klasse Wrecks, tappa significativa di un cammino già consolidato. Entrare nel catalogo dell’etichetta fondata da Mr. Ho e Luca Lozano significa infatti collocarsi all’interno di una realtà che ha costruito la propria reputazione attraverso una selezione rigorosa ed una visione curatoriale riconoscibile, diventando negli anni uno dei riferimenti più autorevoli della nuova scena underground europea.

In questa conversazione con t-mag emerge un racconto lucido sul significato di fare musica oggi, sul valore della pratica e sulla necessità di ritagliarsi uno spazio autentico dentro una scena sempre più complessa. Un dialogo che attraversa club, vinili, crisi di mercato e rinascite personali, restituendo una visione profonda e senza filtri della cultura elettronica contemporanea.

Photography Mario Vitti
AD & Styling Ornella Maglione, Gabriele Leggio
Grooming Sara Mencattelli
Production t-mag

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Mi racconti da dove vieni? Hai vissuto in diverse città europee, ma vorrei capire da dove nasce davvero la tua passione per la musica.

Sono nato e cresciuto a Bruxelles da genitori italiani, poi ho vissuto a Londra e Berlino, con un rapido passaggio in Italia. Ho sentito un forte rapporto con la musica, sin da bambino, ma anche contraddittorio. Un rapporto che si é migliorato col tempo, all’inizio, nonostante ci fosse molta attrazione, era un rapporto sfuocato, sentivo principalmente un richiamo e un forte senso ritmico, ma ho dovuto intestardirmi moltissimo per migliorare. É sicuramente un rapporto in continuo divenire. I miei primi ricordi musicali un po’ nostalgici sono legati a i viaggi in macchina che facevamo con mio padre, da Bruxelles alla Toscana, su una Alfa 33 rossa, giravano tante cassettine, soprattutto cantautori italiani come Dalla e De Gregori, ma anche Dire Straits e Gary Moore.

Quando parli di “sentire” qualcosa prima ancora di capirlo, mi viene da chiederti: quali sono stati gli artisti, i luoghi o le esperienze che ti hanno fatto pensare: “Ok, voglio davvero fare questa cosa”?

Per la mia generazione, il primo contatto con la musica elettronica è avvenuto durante l’infanzia tramite i videogiochi, di cui io ero molto patito. In seguito al liceo ascoltavo in ripetizione: il primo album dei Prodigy, Homework dei Daft Punk, Wireless di Luke Slater o Electrocypher, ma non era ancora un interesse collegato all’universo del deejaying.

I primi passi alla scoperta del clubbing avvennero in Italia. Nel 2001 mi rimase impresso un set di Ralf al The Base, a Milano, e anche l’Alter Ego a Verona, con Dionigi: un quadro dai contorni mistici.

Dopo quell’anno in Italia sei tornato a Bruxelles. Che tipo di scena hai trovato? E quanto ha inciso la città sulla tua formazione musicale?

Al mio ritorno a Bruxelles nel 2002 comprai mixer e giradischi e cominciai a dedicarci tempo, in contemporanea con i miei studi all’università.

A Bruxelles, e in Belgio in generale, si percepiva una grande libertà sui generi. Per la sua posizione geografica Il Belgio è sempre stato un crocevia, un melting pot, e questo si è tradotto anche nella scena musicale. C’era tanta curiosità e passione. Cominciai a frequentare il negozio Doctor Vinyl, che è rimasto negli anni un baluardo del microcosmo del vinile Brussellese. Erano gli inizi degli anni 2000, e facevo ricerca tra vari stili: dagli inizi della minimale e dell’electro-house, passando da Detroit techno, electro e l’ondata neo retro Gigolo con influenze EBM.

Quindi Bruxelles ti ha dato anche un’educazione alla contaminazione, alla possibilità di tenere insieme mondi diversi.

Si assolutamente, sia legato ai contenuti musicali che al mondo del clubbing più tradizionale, che al contesto delle free party un po’ più “selvatiche”, in cui si spingeva un sound più estremo, un electro più pesante, e breakcore. Il pubblico aveva gusti eclettici, ritrovavi le stesse persone in eventi di stampo musicale diverso, non si sentiva una formattazione da tribù legata solo ad un certo stile.

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Dopo Bruxelles arriva Londra. Cosa cercavi in quel momento e che cosa hai trovato nella scena londinese?

Londra è stata sino ad adesso l’esperienza più formativa della mia vita. Se a Bruxelles c’era molta apertura riguardo alla musica, si risentiva purtroppo della dimensione ristretta della città, con una densità di promotori e deejay molta alta rispetto a quanto la città potesse realmente dar sfogo, e le gerarchie che ne derivano. A Londra si respirava un’energia illimitata, spazio per tutti e una vera società multiculturale, con tutti gli intrecci possibili e immaginabili e, soprattutto, un peso musicale immenso su tutti i fronti, elettronico e non, completamente trasversale. Fu una scossa elettrica. 5 anni memorabili (dal 2007 al 2012), pre-Olimpiadi (che cambiarono molto East London dove stavo io). Li cominciai a lavorare nel settore delle etichette musicali indipendenti, più legate ad un sound minimale dark/mentale, ma frequentavo anche il Plastic People dove esplodeva l’inizio della dubstep e il Fabric che era nel suo picco o il dilagare di eventi che si svolgevano in warehouse. In quei contesti continuai ad esercitarmi come dj, cercavo di suonare il più possibile. É anche a Londra che ho mosso i miei primi passi nell’organizzazione di eventi/serate: avevo una residenza a Corbet Place, accanto a Brick Lane, dove organizzavo con amici degli eventi audiovisual.

A Londra inizi anche ad avvicinarti alla produzione. Com’è stato passare dall’ascolto, dalla selezione e dal lavoro sulle label al provare a costruire un tuo linguaggio?

A Londra ero circondato da amici dj che cominciavano a muoversi anche nel mondo della produzione, e questo mi intrigava, finche non ebbi la conferma di voler fare questo nel 2010, al ritorno da un viaggio in solitario di 2 mesi in India. Da quel momento dedicai 100% del mio tempo alla musica e cominciai ad esplorare il mondo della produzione.

Pubblicai il mio primo disco nel 2012, che fu prodotto in soli 6 mesi dall’inizio del mio percorso. Fu un risultato che arrivò molto in fretta e frutto anche di un po ‘della cosiddetta fortuna del principiante. In un certo senso fu una lama a doppio taglio, perché da lì si aprì una strada abbastanza lunga per trovare un sound che sentissi mio. Le possibilità di configurazione sono veramente tante, tra hardware e software, non esistono scorciatoie, bisogna provare ed imparare prima di capire veramente dove vuoi andare. Gli anni seguenti furono composti da una ricerca costante, fino al 2016, dove arrivai a definire una configurazione che mi dava quello che cercavo in quel momento. In particolare fu cruciale l’acquisto del campionatore Ensoniq ASR88, che non mi ha mai più lasciato ed è presente in 90% delle tracce e/o progetti che ho pubblicato.

Prima di arrivare a questo nuovo equilibrio, però, c’è Berlino. Perché hai deciso di trasferirti lì?

Ad un certo punto ci fu un piccolo esodo da Londra a Berlino nel mio gruppo di amici, era come se avessimo un po’ esaurito le energie londinesi. Poco dopo il mio arrivo a Berlino, nel 2013, fondai Finest Hour con il mio amico Pablo Tarno. Fu la mia prima etichetta, lasciai il lavoro che svolgevo per le altre etichette e mi misi in proprio. Distribuii la prima uscita, di Audio Werner, in maniera autonoma, andò molto bene, vendemmo 2000 copie, che al tempo erano molte. Questo risultato attiro’ l’attenzione di altri amici/colleghi che erano scontenti dei loro distributori, e mi chiesero se volessi occuparmene io, accettai, e cosi nacque Off The Grid Distribution. All’inizio partii con solo 5 etichette, era un’attività dalle dimensioni ridotte ma questa configurazione fu possibile solo per un periodo limitato, perché arrivò la prima piccola crisi del mercato del vinile.

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Come spieghi quella prima crisi, cosa hai visto cambiare nella distribuzione e nel mercato del vinile? Oggi sembra tornata, almeno in parte, la figura del digger che compra dischi. Che cosa osservi dalla tua posizione?

Quando partì Off The Grid, si vendeva molto facilmente, anche perché non erano cosi tante le etichette underground che pubblicavano la loro musica su vinile. C’era un buon equilibrio tra offerta e domanda. Era veramente una micro-nicchia di puristi. Intorno al 2014-2015 esplose la figura del “digger”, del dj super ricercatore, legata all’ascesa di personaggi come Nicolas Lutz, Binh e Onur Ozer, che avevano delle selezioni pazzesche e suonavano rigorosamente solo vinile. Si creò un effetto di hype che travolse le nuove generazioni e tutto ad un tratto tutti volevano la propria label stampata su vinile. Da un lato fu positivo, perché molte persone si interessarono di nuovo a quel formato. Dall’altro, però, si creò un effetto ad imbuto, troppa offerta e non abbastanza domanda, e fu dovuto anche alle grosse distribuzioni che finanziarono troppi progetti, senza applicare un filtro di qualità adeguato. Le vendite si dimezzarono e fui messo davanti ad un bivio: mollare o fare sul serio, e decisi di fare sul serio…ufficio, sito internet, negozio online ed una notevole espansione del roster di etichette che gestivo.

Dopo un po’ la situazione si riassestò, l’imbuto fu un filtro per quelli che non ci tenevano veramente o che si resero conto delle difficoltà per rimanere a galla, e si riprese a respirare. In seguito ci sono state altre crisi. Dopo l’hype legata all’underground, arrivò l’hype mainstream. Il vinile riesplose anche presso un pubblico non necessariamente legato alla nostra scena. Anche i genitori si ricomprarono i giradischi. Questo portò le major, che prima avevano abbandonato il vinile, a ristampare tutte le principali discografie dei grandi artisti pop, i cataloghi storici. Tutto ad un tratto ogni nuova uscita mainstream doveva avere di nuovo anche la versione in vinile. Il problema fu che molte stamperie, negli anni precedenti, avevano chiuso perché non c’era più mercato. Quelle rimaste stampavano ancora grazie alle uscite della scena underground. Quando le major si trovarono di nuovo in necessità di stampare, invece di aprirsi le loro stamperie, si appoggiarono sulle poche esistenti, spodestando di fatto i clienti underground. La crisi, in quel caso, fu dovuta al fatto che per fare un disco non ci volevano ormai più due mesi, ma sei o sette. Questo creò problemi soprattutto a livello della programmazione delle uscite.

Il calo più recente invece, è legato da un lato forse ad un cambio generazionale e dall’aumento dei costi del vinile. Paradossalmente Il Covid fu un momento favorevole per le vendite. La scena era praticamente ferma a livello di eventi, e i Dj compravano pochissimo, eppure si volava. Ci rendemmo conto che a tenere a galla il mercato del vinile non erano i DJ, ma soprattutto gli appassionati, collezionisti o cosiddetti “bedroom djs”. Questo dimostra quanto sia importante la passione del pubblico e delle persone che non lo fanno necessariamente per lavoro. Gli effetti del periodo Covid però si fecero sentire in seguito sui prezzi di produzione. I dischi hanno ormai raddoppiato il loro costo rispetto a 10 anni fa e purtroppo quello che va su, generalmente non torna giù.

La distribuzione che ruolo ha avuto nel tuo percorso?

In termini positivi la distribuzione mi ha consentito di strutturare un po’ di più la mia vita nella “giungla” Berlinese, di non dipendere unicamente dalle gigs e anche di rimanere informato e connesso con il continuo evolversi delle proposte musicali. Mi ha anche consentito di conoscere e stabilire tantissimi legami all’interno della scena, nonché ad affermarmi sia professionalmente che personalmente.

Dall’altro lato, è stata una sfida che non è stata evidente tutti i giorni, la dimensione volutamente ristretta di Off The Grid l’ha resa più vulnerabile agli sbalzi del mercato, spesso imprevedibili. Inoltre, anche se in formato ridotto e personale, è comunque un’attività che può fagocitare la totalità del proprio tempo. É facile perdere l’equilibrio e dedicarsi, o identificarsi solo in quello, tralasciando il mondo delle produzioni. Nel 2022 decisi che era tempo di ritagliarmi di nuovo uno spazio da dedicare alla produzione.

E perché, se dovessi scegliere, sceglieresti ancora di essere produttore e DJ?

Off The Grid mi ha dato tante soddisfazioni, mattoncino dopo mattoncino, è stata un’evoluzione graduale su una durata di ormai 11 anni e non la rinnego assolutamente, anzi… però ci vuole un equilibrio, serenità e ricordarsi di perché siano state prese certe decisioni in certi momenti. Le sensazioni che si possono provare davanti ad un pubblico o in studio sono difficilmente rinunciabili. Sono due mondi che comunicano tra di loro, la produzione è il momento di raccoglimento interno, il deejaying la comunicazione esterna, il condividere. Recentemente sto suonando più materiale mio, sia cose che avevo pubblicato 10 anni fa, che tracce più recenti che non ho ancora pubblicato, è una cosa nuova per me e dopo un lungo percorso è bello esserci arrivati. Ci sono comunque due lati molto diversi all’interno della produzione, il lato legato unicamente alle esplorazioni solitarie, e quello delle collaborazioni, che con la giusta alchimia e una configurazione adatta in studio possono veramente espandere molto i risultati e rendere il processo più interessante e vivace.

Parliamo proprio della collaborazione con Jiji, con cui hai composto tanti dischi. Come vi siete conosciuti e che tipo di equilibrio si è creato tra voi?

Con Jiji ci siamo conosciuti all’università a Bruxelles nel 2003. Ci separano un po di anni, per questo lui ha ricoperto un po’ la funzione del fratello maggiore, che ti fa scoprire una dimensione artistica legata al cinema, ai fumetti, alla musica, consigliandoti tale o tale opera, mettendo le basi per l’estetica che poi cominciai a sviluppare anche nei miei progetti. Quando hai vent’anni sei molto malleabile, sono gli anni più formativi. Il nome della mia etichetta, Garage Hermétique, è un omaggio ad un’opera di Moebius, il grande fumettista francese. Ed anche il nome Onirik viene dall’attrazione per questi universi un po’ immaginari, surreali… del sogno.

Non avevamo mai contemplato una collaborazione musicale, finché, nel 2015, dopo essere sopravvissuto ad una malattia molto grave, mi venne a trovare a Berlino. Oltre ad essere un amante della musica elettronica, ha studiato il pianoforte al conservatorio. Partimmo un pomeriggio a caso, senza nessun obiettivo. Registrammo alcune cose e, in seguito, dall’audio delle sue melodie creai due tracce, che diventarono il nostro disco “Multipolar Dub”su Garage Hermétique, uscito nel 2017. Il disco piacque, da lì nacque il progetto Oni-Ki, la nostra combo. Ogni 3-4 mesi ci chiudevamo in studio a Berlino per 4-5 giorni, non stop. Cominciò questa tradizione che va avanti da piu di 10 anni. Pubblicammo altri due dischi nei due anni seguenti. Dopo arrivò il Covid e ci fu una specie di passaggio a vuoto. Il 2022 marcò la nostra ripresa e riuscimmo finalmente a completare il nostro album ambient elettro-acustico, il progetto Surface Detail.

E da lì come siete arrivati al suono più EBM, new beat e dark wave che poi ha incontrato Klasse Wrecks?

Il gruppo preferito di Jiji sono i Front 242, la band EBM belga leggendaria, veri pionieri di quello stile. Penso che li abbia visti 15 volte in concerto…! Era da un po’ che insisteva per fare un disco con quelle influenze. Io ho sempre apprezzato l’EBM o la New Beat, inserivo spesso delle tracce nei miei dj set, ma non era esattamente la mia ossessione. Non mi é mai piaciuto andare in studio e forzarmi a seguire per forza certi canoni e produrre un disco che debba seguire uno stile ben preciso. Il lato intuitivo e improvvisato ha sempre dominato nei nostri lavori. Finalmente, nel 2023 decidemmo di dedicare una sessione intera solo a quella direzione e il risultato ci piacque, decidemmo di continuare a esplorare quella strada. Si tratta però, pur sempre di un progetto ibrido, il lato A del disco è più influenzato da EBM e New Beat, mentre il lato B è più Wave/DarkWave Son contento che siamo rimasti fedeli alla nostra abitudine di mescolare le influenze e di creare qualcosa di nostro.

Per questo sound abbiamo creato Comply, un progetto legato ad un immaginario più scuro, di disillusione sociopolitica, in linea con l’universo EBM / Post-punk. In un certo senso stiamo vivendo un periodo in cui sono sempre più attuali i temi che si riflettevano nella nascita dell’EBM : la sensazione di un mondo sotto la minaccia costante della guerra e contemporaneamente disumanizzato dall’inarrestabile e sempre più rapida avanzata del progresso tecnologico. Sono ovviamente temi che pervadono gli ultimi decenni, ma si percepisce un intensificazione esponenziale negli ultimi anni.

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Come avviene, concretamente, l’incontro con Klasse Wrecks? C’è stato un momento in cui hai capito che quelle tracce potevano trovare spazio lì?

Michael (Mr. Ho) é un amico, ci siamo conosciuti al Polifonic in Puglia, gli avevo già fatto sentire altre produzioni, ma non quelle di Comply, a quelle non ci avevo pensato. Poi, un pomeriggio dello scorso Ottobre, eravamo insieme nella sede di Off The Grid, lui stava ascoltando un pò di dischi con sonorità EBM, e mi confidò di apprezzare molto il genere. A quel punto gli feci ascoltare le nostre tracce e da lì andò tutto molto in fretta, chiamò Lucas (Luca Lozano) e le presero tutte e quattro così com’erano, su due piedi. Sul momento fu un piccolo shock, intanto per la sorpresa, ma anche perché seguivo l’etichetta da tanti anni, avevo desiderato a lungo pubblicarci un disco.

Non credo che si debbano per forza cercare conferme esterne, questa cosa però mi ha fatto bene, ed ha tranquillizzato una parte di me che si era impegnata a ritagliarsi di nuovo uno spazio per la produzione, era in fondo una scommessa non scontata.

Rispetto alla produzione: uscire su Klasse Wrecks non è necessariamente un punto di arrivo, però è sicuramente un riconoscimento. Che cosa vedi aldilà di questo step?

Sul fronte delle collaborazioni stiamo lavorando sul secondo album di Surface Detail e sul prossimo disco di Oni-Ki e Comply. Tuttavia la precedenza immediata va a definire gli ultimi particolari della mia prossima uscita da solista. Spero di esser pronto per uscire prima della fine dell’anno.

Oggi tutti vogliono fare i DJ. Per te che cosa significa essere un DJ? E perché vuoi continuare a farlo?

Fare il DJ, secondo me, vuol dire condividere e comunicare qualcosa. Vuol dire riuscire a catturare le persone, ipnotizzarle per qualche ora, farle dimenticare chi sono e trasportarle in un viaggio. Questo viaggio può essere organizzato e gestito in funzione di una storia musicale cronologica, basata su una conoscenza molto studiata della musica. Oppure può essere più intuitivo. Il mio approccio è semi-ragionato e semi-intuitivo.

Ho cominciato a comprare dischi nel 2002. La mia prima gig in un locale in Belgio risale a vent’anni fa. Ho suonato anche a Londra, ma è solo negli ultimi anni che sono riuscito davvero a divertirmi, a non pensarci troppo ed a improvvisare.

Secondo me un DJ è questo: riuscire ad adattarsi al momento, capire e sentire il pubblico. La selezione è importante, certo. È importante aver passato anni a imparare, studiare, ricercare. Però per me non si tratta più unicamente di avere il disco più raro o una selezione super ricercata. Continuo le mie ricerche ma rispetto la musica che ho già, esamino quella che mi arriva, senza la pressione di sentire sempre che mi manchi o che mi sia perso qualcosa. A Berlino, nella nostra scena, si percepiscono ogni tanto deviazioni un po’ tossiche del diggerismo. É veramente liberatorio riuscire a eliminare il rumore inutile, che nutre falsi dubbi. Questo passo ha segnato l’inizio di un mio nuovo rapporto con il deejaying, molto più sereno e positivo.

Un’ altra cosa da tenere a mente é il rapporto con Il sound system, che ha un ruolo essenziale, il volume trasforma completamente una traccia. Serve anche la capacità, quando ascolti una traccia durante il giorno, di immaginartela già in quel contesto: capire come e quali suoni verranno amplificati, come potranno colpire la gente o trasportarla, con cosa potrai suonarla.

A proposito di pubblico: in Italia e non solo stanno chiudendo molti club. Nascono anche nuove realtà, certo, ma rispetto alla tua esperienza da DJ e da persona che ha attraversato diverse scene, quanto è importante il club nella crescita artistica? Quanto conta che esista uno spazio fisico, una scena, un luogo dove formarsi?

Quando sei un aspirante deejay, il club è il luogo dove si imparano le dinamiche fondamentali del mestiere. Ascoltare altri dj con molta esperienza, ispirarsi e immaginarsi al loro posto è un tassello fondamentale nel percorso formativo di questa professione. Il club è la porta d’entrata. È attraverso il club che si crea un rapporto fisico con la musica, grazie al soundsystem: un’esperienza diversa dall’ascolto casalingo, che può essere anche terapeutica.

In certi contesti sociali, questo ha significato molto di più. Penso a cosa ha rappresentato per le minoranze, comunità escluse, che andavano a ballare per trovare uno spazio in cui potersi esprimere senza oppressioni. Penso anche a Detroit, ai lavoratori, alla crisi dopo la chiusura delle grandi fabbriche automobilistiche. In quel contesto di povertà venne fuori un movimento musicale che guardava al futuro, lo stesso che a loro era stato sottratto in maniera brutale, che si manifestò come sfogo in composizioni elettroniche all’avanguardia.

Io vengo da un contesto privilegiato, quindi non ho vissuto la musica elettronica con quel bisogno di dovermi esprimere contro l’oppressione. Qualcosa faceva però da magnete. Non è stato un rapporto unicamente legato all’edonismo o una leggerezza. Ne sentivo una valenza più profonda e personale.

Anche oggi la musica è un’evasione necessaria, essenziale, sia come contrappeso al momento globale becero che stiamo vivendo, sia come fonte di connessioni tra le persone. Viviamo in un epoca in cui c’è un’illusione di connettività sempre più elevata attraverso i social, ma con una nuova generazione che fa sempre più fatica a relazionarsi personalmente. In seguito alla pandemia del Covid-19 continua ad aumentare la polarizzazione della società. La musica crea connessioni, punti di incontro.É una risorsa universale, trasversale. Va valorizzata, non sminuita, in tutte le sue forme e manifestazioni.

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