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IN CONVERSATION WITH: Spime.IM

words: Mario Darchetti

04.05

IN CONVERSATION WITH: Spime.IM

IN CONVERSATION WITH: Spime.IM

All’interno del programma di LIFE 2026, che alla Fabbrica del Vapore si configura come un dispositivo scenico capace di interrogare le tensioni del presente, la performance a cura di SPIME.IM assume una funzione quasi paradigmatica. Mercoledì 6 e giovedì 7 maggio, nello spazio della Cattedrale, il collettivo porta in scena GREY LINE, una performance audio-video che si inserisce con coerenza nella matrice curatoriale del festival, dove il confine tra esperienza diretta e narrazione, tra realtà e sua costruzione, viene costantemente messo in crisi.

In un contesto che privilegia pratiche ibride e dispositivi capaci di leggere il contemporaneo senza semplificarlo, GREY LINE agisce come un campo percettivo saturo: un flusso audiovisivo in cui il bombardamento mediatico diventa materia compositiva e condizione esperienziale. La performance, della durata di 45 minuti, traduce in forma sensibile quella “linea grigia” evocata dal collettivo, uno spazio in cui le polarizzazioni si dissolvono e i confini si fanno opachi, restituendo allo spettatore la stessa ambiguità e instabilità che caratterizzano l’ecosistema informativo attuale.

In attesa di vederli alla Cattedrale della Fabbrica del Vapore, SPIME.IM ci hanno raccontato un lavoro che non cerca sintesi ma immersione: un’indagine sulla complessità contemporanea che trova nella dimensione live il suo momento più critico e necessario.

Quando parlate di “digital reality”, cosa intendete? È ancora qualcosa di separato o siamo completamente dentro?

Gabriele: Per noi Digital Reality è quasi un ossimoro: descrive una contraddizione enorme, una frattura in cui siamo immersi ogni giorno. Non credo sia ancora una realtà completamente integrata; mi sembra piuttosto una doppia vita, una separazione a tratti violenta tra online e offline.
Offline possiamo ancora vivere la lentezza. Online, invece, veniamo catapultati alla velocità della luce dentro un flusso senza gerarchie: guerre sempre più vicine, ricette low carb, video fitness, pubblicità mimetiche, balletti, tutorial motivazionali, lusso ostentato. Questa sovrapposizione produce una specie di dissociazione continua. Offline facciamo i conti quotidianamente con il lavoro, la fatica e i soldi che non bastano mai; online ci viene venduta una versione performativa della vita, spesso irraggiungibile, costruita. La soglia di attenzione diventa contemporaneamente un prodotto e un deficit.
Quindi sì, secondo me è ancora qualcosa di separato. Ma la parte di noi che vive dentro quella dimensione è già dentro fino al collo.

GREY LINE sembra dire che non esistono più bianco e nero ma solo sfumature. È una scelta o una resa?

Gabriele: È entrambe le cose, o forse è proprio lì che nasce l’ambiguità del progetto. In GREY LINE abbiamo ragionato molto sulla polarizzazione, che considero uno dei grandi mali del nostro tempo: bianco o nero, vero o falso, amico o nemico, dentro o fuori, online o offline. Tutto viene spinto verso una lettura binaria, estrema, semplificata.

La zona grigia, in teoria, potrebbe essere uno spazio di mediazione: un luogo in cui le cose si incontrano, si contaminano, smettono di essere assolute. Ma nel nostro lavoro questa zona diventa una linea grigia dentro un ambiente grigio. Non si distingue più. Non vedi i confini, non capisci dove inizi una cosa e dove finisca l’altra.
È una condizione molto vicina al tempo che stiamo vivendo: una crisi di valori, di riferimenti, di orientamento. In questa valle nebbiosa riecheggia ad un certo punto la frase di Gramsci: “La crisi consiste appunto nel fatto che il vecchio muore e il nuovo non può nascere: in questo interregno si verificano i fenomeni morbosi più svariati”.
Ecco, GREY LINE abita quell’interregno. Non è solo una resa alla complessità, ma il tentativo di restare dentro la nebbia senza fingere che sia limpida.

Davide: Grey Line nasce dall’esigenza di riscoprire le sfumature all’interno di ciò che sembra piatto e uniforme. In anni di polarizzazione estrema, le sfumature si sono perse, al punto da percepire tutto unicamente come grigio. Bianco e nero sembrano essersi fusi in un non-colore omogeneo. Grey Line è il percorso ideale per sfuggire alla monotonia e abbracciare la ricchezza e la diversità nascoste nella scala di grigi. Affinando la nostra percezione ed esplorando le sottili sfumature, potremmo forse iniziare a comprendere le complesse variazioni della realtà.

INFOMANIA, la vostra ultima opera installativa, affronta il tema del sovraccarico informativo: com’è nato questo progetto e cosa vi interessava mettere a fuoco?

Gabriele: Con INFOMANIA volevamo parlare non solo del sovraccarico informativo, ma anche della futilità di gran parte delle informazioni che assorbiamo ogni giorno. Il problema non è soltanto che riceviamo troppe informazioni, ma che tutto viene messo sullo stesso piano: città rase al suolo dai bombardamenti e pubblicità su come diventare ricchi online in quattro settimane, crisi geopolitiche e tutorial motivazionali, catastrofi reali e contenuti pensati per intrattenerci per qualche secondo.

È una specie di détournement involontario e permanente. La nostra pratica è sempre stata attratta da questo corto circuito, ma con INFOMANIA abbiamo provato a trasformarlo in una narrazione più strutturata, anche partendo da alcuni testi che ci hanno influenzato, come Infocrazia di Byung-Chul Han.

Abbiamo immaginato un futuro prossimo, o forse un presente parallelo, in cui una nuova era oscura ( con armature, spade, immaginario cavalleresco ) collide con un futurismo tecnocratico fatto di controllo, sorveglianza, algoritmi e potere concentrato nelle mani di pochi.
L’opera racconta, quasi come un poema epico contemporaneo, il momento in cui una tecnologia costruita per proteggere ricchezza privata e controllo sociale comincia a ritorcersi contro chi l’ha generata. Da lì nasce una possibilità di rivolta, di trasformazione, forse di liberazione.

Non so se sia una previsione. Forse è più un’utopia, o un auspicio.

Davide: L’idea del progetto credo si sia insinuata lentamente durante The End Of The World, il progetto performativo realizzato con Lubomyr Melnyk e Julia Kent. In quel progetto abbiamo deciso di analizzare , sonificare e trasformare in partiture per coro ed elettronica dataset riguardanti ilcambiamento climatico, del XX secolo e proiezioni future. Essendoci trovati a contatto con una grossa mole di informazioni abbiamo cercato di capire capire come elaborarle, sintetizzarle e restituirle e abbiamo scoperto il concetto di “sovraccarico informativo” o “entropia dell’informazione”. Troppe informazioni non informano, disinformano.
Ci è sembrato un concetto interessante per indagare la disgregazione della realtà nell mondo delle fake news dilaganti in questa società over-informata.

Rispetto a una performance come GREY LINE, cosa vi permette di fare un’installazione che dal vivo non riuscite a fare?

Gabriele: L’installazione ci permette di lavorare sullo spazio-tempo ( lo stesso termine “Spime” è un neologismo coniato da Bruce Sterling, nato dalla fusione delle parole inglesi “space” e “time” ) in modo più radicale. In una performance come GREY LINE il sovraccarico è legato soprattutto al tempo, al ritmo, al frame rate, alla velocità con cui l’occhio e il cervello riescono ( o non riescono ) a processare le informazioni.

Con INFOMANIA, invece, il sovraccarico diventa anche spaziale. Lo spettatore non guarda più solo un flusso frontale: entra in un ambiente. L’occhio viene attirato da alcune zone, ma intanto altrove succede qualcos’altro. Magari alle sue spalle. Magari fuori campo. Magari lo percepisce solo attraverso il suono.

Questo introduce una domanda centrale: quali informazioni mi sono perso? Erano fondamentali? Posso davvero comprendere ciò che sto guardando se non riesco a controllare tutto?L’installazione rende fisica questa condizione. Non rappresenta soltanto il sovraccarico informativo: lo fa abitare. Lo spettatore si trova dentro una situazione in cui deve accettare la perdita, l’incompletezza, l’impossibilità di vedere tutto.

Davide: L’aspetto interessante è il diverso tipo di fruizione da parte dello spettatore. In una performance, ciò che sentiamo lo comunichiamo a un livello fisico e istintivo. In un’installazione, invece, ci sembra di avere il tempo e il contesto adatto per restituire una sorta di “narrazione” del sentimento che vogliamo comunicare.

Quando lavorate su un’installazione, pensate a uno spettatore più libero, o cercate comunque di costruire un percorso preciso?

Davide: Ci piacerebbe che gli spettatori fossero totalmente liberi, ma credo che, inconsciamente, sia nelle nostre performance sia nelle nostre installazioni ci sia comunque un percorso. Allo stesso tempo, credo che questo percorso sia estremamente soggettivo e mutevole: può avere diversi punti di partenza e diversi punti di arrivo, proprio in base alle esperienze e alle percezioni degli spettatori. Forse l’unico punto reale di contatto fra tutti sta nel materiale multimediale con cui costruiamo quel percorso.

Gabriele: Pensiamo a entrambe le cose. Partiamo sempre da un concetto forte e da una struttura precisa, anche quando il racconto è astratto. C’è un impianto narrativo, un dispositivo, una direzione. Non lavoriamo mai soltanto per accumulo estetico.
Allo stesso tempo, quando quella struttura è solida, cerchiamo di creare un ambiente che possa essere vissuto in modo personale. Non ci interessa imporre una lettura unica. Ci sono dei nuclei concettuali chiari, ma intorno a quelli si aprono dettagli, rimandi, errori, analogie visive, cortocircuiti, zone ambigue.

In quel momento lo spettatore diventa parte attiva del lavoro. Può costruire connessioni proprie, cogliere sfumature diverse, magari anche vedere cose che noi stessi non avevamo previsto.
È una forma di détournement: un percorso pensato, ma aperto alla deviazione. Una traiettoria che lascia spazio allo spettatore per unire i propri puntini.

Usate meme, found footage, immagini generate: per voi sono ancora “realtà” o sono già una forma di finzione?

Gabriele: E’ proprio qui che torna il senso ambiguo di Digital Reality: una formula che sembra dire tutto e niente, ma che in realtà descrive bene la condizione in cui viviamo.
Meme, found footage, immagini generate, contenuti sintetici: tutto questo è realtà perché influenza realmente il modo in cui pensiamo, comunichiamo, desideriamo, votiamo, ci relazioniamo agli altri. Anche chi è più reticente vive ormai dentro questa mediazione.

Allo stesso tempo, però, è anche finzione. È una realtà filtrata, compressa, performata, manipolata. Una maschera. Un muro. Una pellicola trasparente che sembra farci vedere tutto, ma in realtà modifica continuamente la distanza tra noi e il mondo.
Forse per la nostra generazione, cresciuta tra analogico e digitale, è ancora difficile accettare del tutto che l’online appartenga al reale. Eppure i suoi effetti sono realissimi. La frustrazione, il confronto continuo, la dopamina, la dipendenza, la solitudine: tutto questo non è virtuale.

Per questo trattiamo quei materiali come frammenti di realtà già diventati finzione, e come finzioni che producono effetti reali.

Davide: Per noi anche la realtà è una forma di finzione, una volta trasportata sullo schermo: per questo è molto importante decidere attentamente cosa e come portare sullo schermo. Ci sono però cose che dovrebbero rimanere il più possibile ancorate alla realtà, perché sono tragicamente reali e rischiano di perdere il loro carico emotivo e informativo.

Lavorando con found footage, nel tempo ci siamo resi conto che, alla fine, stavamo cercando di ridare un ordine gerarchico emotivo alla valanga infinita di informazioni che ci arrivano ogni giorno.

Abituati a vedere video di uccisioni, meme, tragedie, promozioni di prodotti, guerre, opinioni di ogni tipo, uno dopo l’altro, non riusciamo più a dare il giusto valore a ciò che ci arriva, mescolando tutto in un frullato di finzione in cui ogni cosa ha lo stesso peso emotivo — cioè nessuno.

Vi costruite anche gli strumenti da soli: è una necessità squisitamente tecnica o fa proprio parte del vostro modo di pensare il lavoro?

Gabriele: Fa parte del nostro modo di pensare il lavoro. A volte nasce da una necessità tecnica, ma più spesso è una necessità concettuale. Oppure un pretesto per imporre a noi stessi nuove regole e capire cosa succede quando lavoriamo dentro un limite.
Un esempio importante è Remidi, un guanto, un wearable instrument che abbiamo usato nella prima fase di Spime.im. In un certo senso è stato proprio uno dei pretesti da cui è nato il progetto. Io e Davide venivamo da molti anni di musica insieme; l’incontro con Marco Casolati, che all’epoca era tra i creatori del guanto e oggi è il nostro manager, ci ha portati a darci una regola molto precisa: usare solo quello strumento e virtual instruments.

Quel limite ha cambiato il nostro modo di comporre. Ci ha costretti a ripensare il rapporto tra gesto, suono e immagine. Non era solo uno strumento: era un dispositivo.
Questo concetto di dispositivo artistico ci interessa molto. Un dispositivo, fisico o concettuale che sia, non è mai neutro: impone una postura, un ritmo, un modo di pensare, un margine di errore. Ti obbliga ad andare più in profondità, a scoprire parti della tua pratica che non conoscevi, a creare nuove relazioni con la realtà che ti circonda.

Davide: Abbiamo tanti amici che costruiscono hardware e software straordinari. A noi piace usarli.

Come si inserisce il vostro lavoro dentro un festival come LIFE, che lavora sul confine tra realtà e narrazione?

Gabriele: In modo molto naturale. Viviamo in un’epoca in cui le narrazioni non si limitano più a raccontare la realtà: spesso la sovrastano, la sostituiscono, la deformano. La politica è forse il palcoscenico più evidente e più inquietante di questa messa in scena permanente.
Con il nostro lavoro cerchiamo di scardinare alcune delle narrazioni più surreali del presente. Lo facciamo attraverso un bombardamento audiovisivo fatto di meme, found footage, immagini generate, frammenti disturbanti, materiali a volte inguardabili e a volte inafferrabili. Non vogliamo costruire una narrazione pacificata, ma mostrare la violenza e l’assurdità delle narrazioni che già abitiamo.

Da questo punto di vista LIFE è un contesto molto adatto, perché lavora proprio su quel confine: dove finisce l’esperienza diretta e dove comincia il racconto? Chi produce le immagini con cui interpretiamo la realtà? Quanto della realtà che viviamo è già narrazione?
E poi, dopo aver portato questo lavoro in molti contesti internazionali, è bello poterlo presentare vicino a casa, dentro una situazione in cui ci sarà anche una forte dimensione umana, fisica, comunitaria. Ci saranno molti amici, e questo cambia sempre qualcosa.

Davide: Nutrendosi di found footage, Spime.im è inevitabilmente collegato al reale. Si è naturalmente definito come una rielaborazione sincera, spontanea e personale di ciò che ci circonda e che assorbiamo: una restituzione riorganizzata di ciò che più ci influenza e ci condiziona nel momento in cui lavoriamo.

LIFE punta molto sulla presenza fisica e sull’esperienza condivisa. Cosa vi interessa osservare nella relazione con il pubblico?

Gabriele: Ci interessa osservare il limite fisico e percettivo dello spettatore: la soglia di attenzione, la resistenza, la fatica, l’immersione, il momento in cui qualcosa diventa troppo o, al contrario, apre una possibilità di lettura.
Allo stesso tempo ci interessa molto ciò che accade dopo, nel confronto con il pubblico. Le nostre performance non sono interattive in senso strettamente tecnico: non parliamo necessariamente di sistemi real time che reagiscono direttamente al gesto o alla presenza dello spettatore. Sono interattive in un senso più ampio, perché vivono dentro un rapporto continuo con il contesto.

Ogni messa in scena assorbe qualcosa dal presente: dall’attualità, dal clima politico e sociale, dalle immagini che circolano, dalle ossessioni collettive del momento. Alcuni elementi vengono aggiornati, sostituiti, rimessi in discussione. Allo stesso modo, anche i feedback ricevuti nelle repliche precedenti entrano nel lavoro: riflessioni, reazioni, letture impreviste, critiche, associazioni che il pubblico ci restituisce e che finiscono per modificare il modo in cui percepiamo e sviluppiamo la performance.

In questo senso ogni replica è diversa. Non perché cambi in modo automatico, ma perché evolve di spettacolo in spettacolo. È un organismo che si trasforma attraverso il tempo, attraverso i luoghi e attraverso le persone che incontra.
Per questo mi interessa che il pubblico non si limiti a vedere la performance e andare via. Mi piacerebbe che le persone si fermassero, ci raccontassero cosa hanno visto, cosa hanno sentito, quali immagini o riflessioni sono rimaste addosso.

In qualche modo porteremo un pezzo di loro dentro la prossima performance.

Davide: Vista la frammentazione e l’isolamento prodotti dalla digitalizzazione delle nostre vite, l’esperienza condivisa rimane una delle attività fondamentali per creare un terreno di dialogo e confronto reale fra le persone. Una delle cose che apprezziamo di più, dopo le performance, è parlare e confrontarci con chi ha voglia di condividere con noi ciò che ha provato. Oltre a farci sentire un po’ più vicini agli altri, questo ci aiuta anche a comprendere meglio ciò che sentiamo e che riversiamo nel nostro lavoro.

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