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Music

IN CONVERSATION WITH: ACIDGIGI

words: Tatiana Tardio

22.01

IN CONVERSATION WITH: ACIDGIGI

IN CONVERSATION WITH: ACIDGIGI

Echo Mom EP si colloca in una zona di confine: uno spazio sospeso in cui il suono smette di essere funzione e diventa presenza. Non appartiene a un tempo preciso, né a una geografia riconoscibile, ma si muove come una materia sensibile tra memoria, astrazione e percezione emotiva. Il titolo stesso suggerisce una tensione irrisolta: Echo come ciò che resta dopo l’evento, Mom come origine distante, protezione impersonale, figura che veglia senza mai intervenire.

L’EP costruisce un universo fatto di risonanze, ritorni e assenze, dove la musica non guida né impone, ma accompagna. È un lavoro che rifugge la narrazione lineare per abitare uno stato: quello dell’essere osservati senza sapere da dove, del sentirsi custoditi pur nella distanza. In questo senso Echo Mom non racconta una storia, ma apre un campo percettivo, un luogo mentale in cui sacro e profano, cura e smarrimento, passato e presente convivono senza gerarchie.

A dare forma a questo spazio è Acidgigi, produttore e DJ che negli ultimi anni ha costruito una ricerca coerente e personale, muovendosi tra club culture, sound design e immaginari simbolici. Il suo approccio rifiuta l’urgenza della performance immediata per privilegiare una scrittura sonora lenta, stratificata, attenta allo spazio e alla risonanza emotiva. In Echo Mom EP questa visione raggiunge una nuova maturità: la pista da ballo resta un possibile approdo, ma non è mai l’unico orizzonte. Acidgigi lavora sul suono come su un corpo sensibile, attraversato da memoria, tensione e silenzio, lasciando che la musica diventi un luogo da abitare più che un gesto da consumare.

Tra riferimenti alla storia dell’arte, folklore, simbolismo e una scrittura sonora minuziosa, Echo Mom EP si configura così come un dispositivo sensibile più che come una semplice raccolta di tracce. Un ascolto che chiede tempo, attenzione e disponibilità a perdersi. Non per trovare risposte, ma per restare dentro l’eco.

Echo Mom EP si muove in una dimensione astratta, eterea, quasi fuori dal tempo. Il titolo sembra evocare una presenza superiore, protettiva, che osserva da lontano: come nasce questo nome e che significato racchiude per te?

Echo Mom nasce prima come immagine che come idea. Non l’ho pensato in modo razionale. È una presenza che non parla mai direttamente, ma che si fa sentire attraverso ritorni, riflessi, risonanze. “Mom” non è la madre in senso letterale o biografico, ma qualcosa che ha a che fare con l’origine, con una forma di protezione lontana, quasi impersonale. L’eco è ciò che rimane quando l’evento è già passato. È un suono che continua a esistere anche senza la sua fonte, come una memoria che insiste. In questo senso il titolo tiene insieme una contraddizione: il bisogno di cura e, allo stesso tempo, la distanza, l’assenza. È quella sensazione di essere accompagnati senza sapere davvero da dove arrivi ciò che accompagna. La musica dell’EP vive in uno spazio sospeso proprio per questo motivo. Non volevo collocarla in un tempo riconoscibile, ma in uno stato emotivo. Echo Mom è una presenza che non guida e non impone, ma resta lì. Veglia. E lascia all’ascoltatore la libertà di riconoscersi o di perdersi.

Il suono dell’EP sembra dialogare con più epoche e geografie, evitando una collocazione immediata. Se dovessimo però inserirlo in un preciso momento storico a livello sonoro, dove lo posizioneresti e perché?

Se dovessi collocarlo in un momento storico, direi che sta in una soglia più che in un’epoca precisa. Nasce nel presente, ma non sente il bisogno di dichiararsi immediatamente contemporaneo o legato a un linguaggio riconoscibile. A livello sonoro dialoga con tempi diversi. C’è una sensibilità che rimanda a certa elettronica degli anni Novanta, più attenta allo spazio e all’atmosfera, e allo stesso tempo un modo di lavorare sul suono che è molto attuale, libero nel mescolare riferimenti e geografie. Più che rappresentare un’epoca, l’EP usa il tempo come materiale. Lascia convivere passato e presente nello stesso spazio emotivo, senza nostalgia, come qualcosa che resta aperto.

L’immaginario visivo gioca un ruolo centrale nel progetto, creando un ponte tra musica e storia dell’arte. In che modo il riferimento al Francesco Figini Pagani – St. Lucy Altarpiece entra in relazione con la costruzione dell’EP?

L’arte è da sempre uno dei miei primi riferimenti, anche per il tipo di studi che ho fatto. È un modo di pensare le immagini e il tempo che poi ritorna naturalmente nella musica. In questo progetto l’immaginario visivo non è decorativo, ma parte della costruzione dell’EP. Il dettaglio della pala di Francesco da Milano, con gli occhi vigili di Santa Lucia appoggiati su un piatto, mi ha colpito proprio per questa contraddizione. È un’immagine potenzialmente macabra, ma trattata con una grazia estrema, quasi sospesa. Nell’arte anche ciò che è violento o crudele può diventare etereo ed elegante, perché appartiene al sacro. Questa tensione tra durezza e bellezza è la stessa che cercavo nella musica. L’idea che la sacralità non stia nell’assenza di oscurità, ma nel modo in cui viene attraversata. In Echo Mom il riferimento entra così: come uno sguardo che osserva, che veglia.

La figura di Santa Lucia attraversa l’intero progetto come simbolo, più che come citazione diretta. Che tipo di dialogo si è creato tra questo immaginario sacro e il tuo universo musicale?

Santa Lucia attraversa il progetto come una presenza simbolica, non come una citazione religiosa in senso stretto. Vengo dal Veneto e per me la sua figura è legata a un ricordo molto concreto: la notte di Dicembre in cui porta doni e dolci ai bambini che “se lo meritano”. Da piccolo era una fonte di felicità, ma anche di soggezione. C’era amore, ma anche timore. Ed è proprio questo dualismo che mi interessava riportare nel concept dell’EP. Oggi sono più grande e decisamente laico, ma continuo ad avere una forte attrazione per il folklore e per il simbolismo teologico. Mi affascina l’idea di provare insieme affetto e rispetto, quasi paura, per una figura che è ormai più mitologica che religiosa. È un sentimento irrazionale, ma molto potente. Nel mio universo musicale questo immaginario entra come sensazione, non come racconto. Non mi interessa che abbia un senso letterario preciso. Come già in un EP precedente mi ero lasciato guidare dalla figura di San Giorgio e il Drago, qui tocca a Santa Lucia. Sono visioni, stati emotivi, immagini interiori. È lì che per me musica e simbolo si incontrano davvero.

Anche la cover del disco contribuisce a definire l’identità dell’EP, suggerendo una lettura stratificata e simbolica. Puoi raccontarci il concept visivo e le informazioni chiave legate all’artwork?

L’artwork è stato realizzato da Pablo Perez, visual artist e grafico di base in Olanda che segue tutte le uscite della label Flippen Disks. Per me è un autore estremamente lucido e competente, e mi fido molto della sua visione. In questo caso ho messo poca bocca nel lavoro finale. Gli ho dato una serie di riferimenti aperti, tanti quadri, colori, immagini sbiadite, suggestioni visive, e lui ha rielaborato tutto con grande libertà. È molto bravo a tradurre un immaginario senza renderlo illustrativo. Il risultato è un artwork stratificato, quasi infantile, che riflette bene l’oniricità del progetto. Come la musica, non vuole spiegare nulla, ma creare un campo di sensazioni

Le produzioni dell’EP sono caratterizzate da arrangiamenti complessi e da una forte attenzione al dettaglio. Quali suoni, strumenti o tecniche di produzione hanno guidato maggiormente questo lavoro?

Il lavoro sull’EP nasce molto dal mio percorso come sound designer e da una forte attenzione al dettaglio. Mi interessa costruire arrangiamenti precisi, che vadano esattamente nel punto che cerco, anche se so di essere ancora in una fase di apprendimento e di continua evoluzione. Echo Mom riflette proprio questo processo. È un disco che ho prodotto nell’arco di circa due anni, lavorando soprattutto con le macchine che ho in casa a Milano, in particolare il MicroKorg, tra lo studio di Vicenza e uno studio in cui mi appoggiavo a Milano nord, al computer in treno, in varie forme e situazioni. A questo si aggiunge un uso intenso del campionamento, preso da film e canzoni, distorto e trasformato. Tra questi c’è anche una canzone famosissima di Fergie, ma preferisco non dire quale. Mi piace l’idea che qualcosa di noto venga assorbito e sputato fuori come pura materia sonora, senza più identità, solo come sensazione.

L’EP sembra seguire una logica onirica, più vicina al flusso dei sogni che a quello della realtà. Dove ti immagini l’ascolto ideale di Echo Mom EP? In un club, in cuffia, o in uno spazio mentale preciso?

È una domanda bellissima, proprio perché non ha una risposta unica. Parto dal presupposto che, per me, la musica elettronica non deve per forza essere ballata: quella è una coincidenza felice, una conseguenza potentissima. Echo Mom contiene brani pensati per essere suonati in un club, per ballare sudati dentro la nebbia, ma anche tracce che funzionano in un contesto completamente diverso, più intimo. È musica che può accompagnarti mentre torni a casa da qualsiasi posto, in uno stato di semi-presenza, quando i pensieri si fanno più liberi. Se devo immaginare un ascolto ideale, direi che sta in mezzo a queste dimensioni. In uno spazio mentale più che fisico. Ascoltatelo mentre fate un bel sogno, e poi ditemi com’è.

Termo Peach spicca come uno dei momenti più intensi del disco. Puoi raccontarci come nasce questa traccia e quale ruolo occupa secondo te all’interno dell’EP?

Termo Peach è probabilmente la traccia a cui sono più legato. Nasce dal desiderio di confrontarmi, a modo mio, con un certo immaginario post-trance ambient, una scena che sento molto vicina e che mi affascina profondamente, da Lorenzo Senni ad Autechre, fino a Astrid Sonne. Non come citazione diretta, ma come tensione verso una forma libera e non funzionale. Non c’è un drop, non c’è una kick che guida. Ci sono arpeggi, melodie che si intrecciano, suoni decostruiti che sembrano percussioni senza esserlo davvero. È un brano molto tecnico nel mixaggio, ma aperto nella forma. Torna spesso, nel mio modo di lavorare, l’idea di musica come colonna sonora per film che non esistono, e qui è forse più evidente che altrove. È l’ultima traccia dell’EP perché la sento come un’ultima portata prima della fine. C’è un caos che però resta ordinato, e poi piano piano si dissolve, si perde nello spazio. La percepisco come una traccia violenta ma allo stesso tempo dolce, e spero che questa ambiguità arrivi a chi ascolta.

Echo Mom EP esce su una label che sembra rispecchiare pienamente la tua visione artistica. Quanto è importante oggi trovare l’etichetta giusta per pubblicare musica e cosa ha significato per te questa collaborazione?

Trovare l’etichetta giusta oggi è fondamentale, soprattutto se la si intende come una casa e non solo come un canale di uscita. Echo Mom è la mia seconda uscita su Flippen Disks, e questa collaborazione per me ha significato proprio questo: dare una forma e un contesto al mio disordine. Grazie a Monty, fondatore della label e del club Radio Radio, ho sentito di poter lasciare andare il controllo e fidarmi di una visione più ampia. Il mio EP precedente era più orientato al club, quasi un’introduzione al mio mondo. Questo invece lo sento più maturo, più consapevole, quasi come un punto fermo. L’Olanda, a livello musicale, ha sempre avuto un ruolo centrale: è un territorio che filtra e rielabora influenze tra UK e Berlino, creando un linguaggio proprio, molto aperto e ricettivo. Lavorare con una realtà che incarna questo approccio è stato naturale. Far parte di qualcosa è importante, soprattutto quando trovi una label disposta a fare da ponte verso il mondo. Non è semplice, i no sono tanti e fanno parte del gioco, ma proprio per questo sono davvero grato a Monty e alla sua visione, per aver creduto in questo progetto e avergli dato spazio.

<a href="https://flippendisks.bandcamp.com/album/echo-mom-ep">Echo Mom EP by Acidgigi</a>

In un contesto musicale sempre più saturo e veloce, continuare a produrre diventa una scelta quasi politica. Cosa ti spinge ancora oggi a fare musica e a portare avanti la tua ricerca artistica?

Continuo a fare musica perché, nonostante tutto, è ancora uno spazio di libertà. In un contesto così veloce e saturo, per me produrre lentamente, dubitare, tornare indietro, è già una presa di posizione. Non mi interessa rincorrere il flusso o l’urgenza di esserci sempre. Mi interessa restare fedele a una ricerca, anche quando è fragile o incerta. La musica è il mio modo di pensare, di mettere ordine nell’ignoto, ma senza risolverlo davvero. È un luogo in cui posso tenere insieme tecnica e istinto, controllo e perdita, senza dover spiegare tutto. E poi, in fondo, credo che la musica sia bellezza. E che la bellezza, in qualche modo, salverà comunque il mondo, anche se siamo forse in troppo pochi ad averlo capito. Finché sento che questo spazio esiste, e che posso abitarlo con onestà, continuo. Anche solo per capire meglio cosa sto cercando.

Echo Mom EP nasce in un momento in cui la musica elettronica sembra oscillare tra iper-funzionalità da club e ricerca più intima e concettuale. Come percepisci oggi lo stato della scena elettronica?

Percepisco questa fase con sentimenti contrastanti. L’idea di iper-funzionalità da club, così esplicitata, a volte mi dà fastidio perché rischia di banalizzare la musica elettronica. Non tanto per le tracce in sé, quanto per il modo in cui vengono raccontate e vendute, come se il valore di un brano coincidesse solo con la sua efficacia immediata. Detto questo, cerco di non etichettare troppo. Studiare le cose sì, giudicarle no. È un momento pieno di musica bellissima, di producer e DJ fortissimi. Il problema, semmai, sta più a monte, nel sistema che filtra e smista la musica secondo criteri di tendenza, spesso prima ancora che di qualità. Forse servirebbe più meritocrazia, ma allo stesso tempo non sopporto l’atteggiamento di chi scarica tutto sulle nuove generazioni. La musica elettronica, per sua natura, è sperimentazione e movimento in avanti. È futuro. E anche in mezzo alle contraddizioni di oggi, continuo a vederla come un terreno vivo, in cui ricerca e funzionalità possono ancora convivere senza escludersi a vicenda.

Guardando alla scena elettronica italiana, quali pensi siano oggi le sue principali criticità e, allo stesso tempo, le sue potenzialità più interessanti?

La scena elettronica italiana ha una forte identità, e questo per me non è un limite. In Italia funziona molto un certo tipo di linguaggio, e io stesso a volte ho fatto fatica a emergere perché il mio suono è forse più vicino a un immaginario estero. Ma non lo vivo come una colpa: è giusto che un paese sviluppi il proprio stile, le proprie priorità, la propria cultura musicale. La criticità principale, secondo me, non sta tanto nei generi quanto in ciò che succede dietro le quinte. C’è poco spazio dato ai giovani nei ruoli decisionali. In altri contesti europei è normale vedere promoter molto giovani, mentre in Italia spesso chi organizza ha un’età molto più alta e prova a parlare ai nuovi pubblici senza riuscirci davvero. E non è una questione anagrafica in sé, ma di apertura mentale e di capacità di ascolto. Le potenzialità, però, sono enormi. Ci sono tantissimi DJ e producer competenti, con una sensibilità unica, che a volte fanno fatica a sentirsi legittimati o a guardare oltre, perché “in Italia queste cose non funzionano”. Abbiamo location incredibili, una storia culturale potentissima e, soprattutto, molto fuoco dentro. Se riuscissimo a creare più ponti, dentro e fuori dal paese, quella energia potrebbe emergere in modo molto più chiaro.

La circolazione della musica elettronica passa sempre più da algoritmi, piattaforme digitali e dinamiche di visibilità. Come vivi questo rapporto tra produzione artistica e sistema?

Lo vivo con una certa distanza, anche se so che è un passaggio inevitabile. Gli algoritmi e le piattaforme sono strumenti potenti, ma non possono essere il motivo per cui fai musica. Se inizi a pensare in funzione della visibilità, rischi di spostare il centro del lavoro da ciò che stai cercando di dire a come verrà percepito. Cerco di tenere separati i due piani. Da una parte c’è la produzione artistica, che per me deve restare libera, lenta, anche imperfetta. Dall’altra c’è il sistema, con le sue regole e i suoi meccanismi, che va capito e attraversato senza farsene dominare. Non lo vivo come un nemico, ma nemmeno come un orizzonte ideale. È un contesto con cui dialogare, cercando di non confondere mai la visibilità con il valore. Finché riesco a mantenere questa distinzione, il rapporto resta sano.

Dopo Echo Mom EP, il progetto sembra aprire nuove possibilità e direzioni. Quali sono i tuoi prossimi passi e cosa possiamo aspettarci dal futuro di Acidgigi?

Dopo Echo Mom continuo a suonare molto, in giro. Prima ancora che producer, sono un DJ, ed è una cosa di cui vado fiero. Parallelamente porto avanti diverse collaborazioni con artist* che stimo profondamente e lavoro alla colonna sonora di un corto firmato da una giovane e bravissima visual artist e regista. È un progetto horror, ambientato nelle notti fredde di Venezia, è qualcosa che mi rende davvero orgoglioso, anche se per ora non posso aggiungere altro. Il futuro di Acidgigi è questo: fare musica e lasciarle spazio, in tutte le forme possibili.

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