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Music

SÓNAR 30: WHAT SOUNDS LIKE A SUMMARY OF THE RECENT HISTORY OF ELECTRONIC MUSIC

words: Giulia Maria Scrocchi

13.06

SÓNAR 30: WHAT SOUNDS LIKE A SUMMARY OF THE RECENT HISTORY OF ELECTRONIC MUSIC

SÓNAR 30: WHAT SOUNDS LIKE A SUMMARY OF THE RECENT HISTORY OF ELECTRONIC MUSIC

Quando appena finita l’edizione 2023 di Sónar, ho ricevuto la mail dall’ufficio stampa, c’è stata una cosa che mi ha particolarmente colpito. Un numero per la precisione: 120.000. Centoventi… mila. Che numero è, vi chiederete voi.

E’ il numero delle persone che hanno partecipato all’edizione celebrativa del trentesimo anno di Sónar.

Perché questo dato mi ha colpito? Certamente non è il primo anno che Sónar riesce a raggiungere un traguardo così prestigioso – difatti nell’edizione 2022, ne sono state contate almeno 122.000 -. E allora cosa fa la differenza, questa volta? La differenza la fa il modo in cui un festival di musica elettronica sia riuscito a starci, in questo mondo. A rimanere, ad esserci. A restare saldo anche quando la musica elettronica ad un certo punto ha smesso di essere considerata “la novità” e sembrava non interessasse più a nessuno.

Noi qua in Italia, abbiamo provato questa sensazione di ‘abbandono’ da parte del pubblico, quando la gen z e la coda dei millennials, hanno cominciato a scegliere la trap e l’urban, scegliendo di non frequentare le dancefloor. E’ un dato di fatto, anche se non ci piace. E sono sicura che anche la Spagna, in qualche modo, avrà risentito del cambio generazionale. Per esempio, un mio amico di vecchia data, trasferitosi a Barcellona ormai da anni inseguendo il sogno di fare il DJ, mi raccontò sottovoce che nonostante il reggeton fosse ormai quasi una questione culturale in Spagna, per la musica elettronica e la sua scena, veniva ancora percepito come un grosso problema. Non è una verità assoluta, ma una semplice testimonianza.

Poi sì, mettici anche che sicuramente l’azione-reazione di ‘fare clubbing’ in Spagna si avvicina molto più a qualcosa degno di rientrare nelle attività culturali, rispetto a qui in Italia – o almeno, sembra provarci e raggiungere ottimi risultati in merito.

E allora mi sono fatta alcune domande: perché alcuni degli artisti più seminali, atipici, introversi, stravaganti, complessi e sfaccettati hanno deciso di suonare a Sónar, dopo chessó un decennio di silenzio, o addirittura per la prima volta?

Come mai artisti come – e cercherò di andare in ordine cronologico – Orbital, Kraftwerk, Aphex Twin, Karlheinz Stockhausen, Ryoji Ikeda, Pan Sonic, Bjork, The Chemical Brothers, Alva Noto e Ryuichi Sakamoto, The Knife, Altern 8 e molti altri l’hanno scelto come meta d’espressione?

Perché questi artisti scelgono il Sónar come luogo del loro ritorno? Penso che il motivo sia celato all’interno della risposta al perché Sónar, sia riuscito a compiere ben 30 anni questo 2023 ed in questo articolo cercheremo di farci un’idea a riguardo.

Come ha fatto un festival di musica elettronica – da ballo e non – ad essere così longevo?

Quali sono gli ingredienti segreti per un percorso così di successo? “Il Sónar è nato nel 1994 nel contesto musicale di Barcellona, dove l’offerta artistica era dispersa e la distanza dall’Europa era molto grande“, spiegano i fondatori Ricard Robles, Enric Palau e Sergio Caballero in una intervista. “L’idea fondamentale era quella di creare uno spazio condiviso per presentare la musica e l’arte legate alle tecnologie emergenti, accogliendo tutti gli stili che stavano emergendo in quel momento, per quanto disparati e rendendo omaggio ai pionieri. “

Accogliere e rendere omaggio.

Due azioni che hanno un riscontro con la vita reale sia fisico – nel vero senso di accogliere, nella sua astrazione più concreta dell’azione in sé – che mentale, ossia ciò che concede al tutto un senso più profondo e sfaccettato. Per riuscire ad accogliere però, bisogna saper rendere omaggio al passato. Doveroso fermarsi a citare, l’artista finlandese Jimi Tenor che nel 1998 arrivò sul palco in groppa a un cavallo bianco, emulando la famosa trovata di Bianca Jagger al newyorkese Studio 54 negli anni Settanta.

Ed è proprio nel riuscire a fare quell’azione mentale nelle sue sfumature che scopriamo l’attinenza del saper accogliere in un contesto musicale; la stessa che riesco a riscontrare se scorro il dito sugli annali di Sónar dal 1993 al 2023.

Perché ecco: in questi giorni di scrittura, è un po’ come se fossi entrata nella soffitta di Sónar e avessi messo le mani dentro scatoloni pieni di ricordi. Ed in qualche modo, tramite quei ricordi, ho cercato di ricostruirne la storia.

Io quella storia non l’ho potuta vivere, perché Sónar nasce esattamente il mio stesso anno, quindi l’unico modo che ho per conoscere la sua storia è appunto ricostruirla: un po’ come si fa, quando si trova uno scatolone pieno di oggetti e si cerca di riposizionarli lungo la linea temporale della vita di una persona, cercando di immaginare come potessero essere le sue giornate, in quegli anni, in quei luoghi.

Vi potrà sembrare off-topic ma a volte mi fermo a pensare che gli anni che hanno veramente e profondamente infuso e radicato dentro di me, questa cultura, questo amore per la club culture in fondo, sono anni che non ho mai vissuto. Certo, ne abbiamo passate di nottate sotto cassa negli anni. Ma gli anni in cui veramente si sentiva di star creando una sottocultura e se ne poteva fare attivamente parte sono ormai lontani e non li abbiamo mai potuti veramente vivere. Eppure, quella settimana all’anno a Barcellona, sembra ancora voler gridare forte: “la club culture c’è, esiste ed è VIVA!”.

Tornando agli scatoloni impolverati in soffitta, frugando tra i ricordi e le medaglie, la storia che ha da raccontarmi Sónar, è la storia di un festival che ha saputo stare in equilibrio.

E che negli anni, ha saputo anche escogitare nuovi modi in cui rimanere in equilibrio, sapendo, a volte, sfidare il ‘mainstream’ ed altre valorizzandone la parte migliore.

Perché sì, alcune ‘tecniche di equilibrio’ sembrano poter valere solo ed esclusivamente per Sónar. Che sia proprio questo, il loro punto di forza?

Non solo saper accogliere ma anche aver guadagnato quel rispetto per il quale anche chi solitamente, non strizza l’occhio a nomi più mainstream, sente di poter dare loro una chance se posti all’interno del contesto di Sónar. Vorrà pur dire qualcosa, no?

Di certo stiamo parlando di equilibrio musicale, nella scelta artistica per intenderci, ma non si può non parlare anche di quello tecnologico, quello performativo degli stage, dei sound system, ma soprattutto della “lotta” al riconoscimento di Sónar come istituzione culturale: era il 1994 quando per la prima volta un festival di musica elettronica urbana si è svolto all’interno di un museo. Era il 1995 quando agli albori di Internet, Sónar lanciò il suo primo sito web, diventando uno dei primi festival ad avere una presenza online. I partecipanti potevano persino inviare le loro prime e-mail dall’area dedicata “Club Internet” all’interno del festival. Capite cosa intendo?

L’equilibrio è stato anche quello di saper scegliere artisti in grado di parlare al pubblico, ma non ad un pubblico qualsiasi, ma a quello del qui ed ora. A quello appassionato da sempre, a quello appassionato da ieri. Attraendo perfettamente quella che Simon Reynolds definisce ‘classe liminale’ in grado di concedere alla musica un’energia impareggiabile.

E ancora: si tratta di artisti contemporanei in grado di smuovere profonde emozioni – quelle che fanno venire la pelle d’oca e che riescono a fotografare perfettamente un pezzo di te – ad un pubblico variegato di persone. Cosa intendo per saper dialogare? Artisti che raccontano il presente che viviamo – nel bene e nel male – in cui gli ascoltatori si possono rispecchiare. Il processo di identificazione, di appartenenza. Qualcosa che nella piramide dei bisogni dell’uomo viene subito dopo il sonno e il cibo, per intenderci.

Artisti in grado di parlare di irrequietezza e curiosità, dei valori rappresentativi dello spirito del momento. Vi sembra facile? Beh non lo è: tanti sono caduti dal filo, tanti cadranno.

Ho sempre sentito raccontare Sónar come un festival in cui gli artisti possono rischiare, e che li incoraggia, li accompagna. Li accoglie – di nuovo -. Parliamo di un festival che nel 2018 ospitava una pseudo-sconosciuta Rosalia, ora letteralmente la pop star del momento, in grado di unire sotto il palco il tuo amico a cui piace il reggaeton e i geek più insospettabili. E non è un fenomeno isolato, anche Bad Gyal quest’anno è tornata a Sónar come icona pop globale.

Il festival si offre dunque come un laboratorio, dando prime grandi possibilità e voce a chi non ce l’aveva.

Ne fu un chiaro esempio l’ edizione 2007, un rischio forse, una presa di posizione molto più probabilmente. Insieme a BBC Radio 1 e lo showcase curato da Mary Anne Hobbs, la dubstep arriva al Sónar, portando Skream, Kode9 & The Spaceape e Kris Jay sul palco. Flash forward: siamo nel 2023 e da quel momento la dubstep non se n’è mai andata da Sónar e ora il festival è riconosciuto come uno dei primi ad aver promosso e supportato dubstep, grime e artisti rap inglesi. Le apparizioni di Skepta e Stormzy negli anni successivi poi… sono solo state la conferma.

Il primo vero take over dell’hip hop all’interno di Sónar, fu però nel 2004, quando i Roots Manuva – uno degli originator dell’HH inglese – e Gang Starr’s Guru furono headliner e apripista a quelli che poi furono il futuro, oggi presente: Madlib, Kid Koala, Buck 65, Beans (di Antipop Consortium) e il collettivo proto-grime So Solid Crew. Anni dopo, artisti del calibro di De La Soul, DJ Shadow, A$AP Rocky e altre varianti di rap e hip-hop come C. Tangana, Nathy Peluso e anche – tutto vero c’erano i testimoni – un giovane Kanye West, apparvero sul palco di Sónar.

Ma se linkare la musica elettronica all’hip hop potrebbe avvenire abbastanza naturalmente, risultando per alcuni anche una cosa piuttosto ovvia, Sónar ha dimostrato che non ci sono confini di genere che non possano essere abbattuti, portando anche Sunn O))) (2007), Ólafur Arnalds (2013), Sigur Rós (2013) e Björk, che ci piace mettere nella musica colta ‘de-noi-altri’ perché la sentiamo più nostra – del mondo della notte e del clubbing – che di qualsiasi altro genere, aprendo così hle porte anche a Die Antwoord, Sophie (R.I.P.) e Princess Nokia.

Se le tendenze musicali si diversificano a livello globale, mentre la democratizzazione dell’uso di Internet permette agli artisti non occidentali di raggiungere un nuovo pubblico, alcuni artisti in line up di Sónar come Konono No1 (DPR Congo), Mulatu Astatke (Etiopia) e Omar Souleyman (Siria) riflettono questa situazione.

Ed è proprio la sorprendente diversità di stili e prospettive della scena nazionale ed internazionale ad essere stata al centro dell’anniversario di quest’anno. Così: come ad interpretare in maniera maestosa il significato della parola equilibrio, senza doversi snaturare o svendersi, come alcuni sarebbero invece pronti a dire.

Perché se da fuori questa poteva sembrare una edizione cucita per il grande pubblico, quello che poi trovi una volta varcato l’ingresso delle due venue, è un’attenzione non scontata alle nicchie e alle scene locali come MikeQ, Daito Manabe o Toccororo. E allo stesso tempo uno spazio in cui rendere omaggio ad artisti storicamente iconici come i 2manydjs, Aphex Twin, Richie Hawtin, Ryoji Ikeda e Fever Ray e ad approcciarsi ad icone della Gen Z come Oro Jondo, Rusowsky, Orslok e Parkineos.

Perché hey: se c’è una cosa che quegli scatoloni mi hanno insegnato è che il Sónar non lo fanno gli headliner, ma gli artisti che ti invitano ad accogliere nuovi suoni. Che siano i “suoni di adesso“ o quelli che scopriamo lasciandoci sorprendere tra uno stage all’altro.

Nei decenni successivi sono emersi alcuni eventi satellite in tutta Barcellona, tra cui OFFSónar e Off Week, che hanno contribuito a far sì che la presenza di Sónar si diffondesse ulteriormente a Barcellona e che si arricchisse l’esperienza di chi visita la città.
A valorizzare ulteriormente il festival, c’è poi tutta la parte diurna dedicata alla tecnologia. Uno degli argomenti centrali della conversazione durante i tre giorni di Sónar+D di quest’anno, è stato l’impatto dell’intelligenza artificiale nelle arti, in particolare nella musica e nell’AV. La ricercatrice del MIT Media Lab Kate Darling, la più importante etica robotica del mondo, ha condiviso con il pubblico un interessante sguardo al futuro delle relazioni uomo-robot nel suo intervento presentato da SEIDOR, mentre CJ Carr, uno dei maggiori esperti di IA nella musica, ha spiegato l’utilizzo dell’IA come strumento compositivo.

Sónar 2023 ha visto il ritorno di Aphex Twin, le performance di BICEP live, Max Cooper 3D/AV live, Oneohtrix Point Never, Ryoji Ikeda – questi ultimi due li abbiamo particolarmente amati – Little Simz e Fever Ray, i cui concerti ci hanno decisamente rubato il cuore.

Ma quello che ci ha lasciato, va molto oltre l’averci dato la possibilità di ascoltare della bella musica in impianti prodigiosamente pensati per la musica elettronica, caratterizzati da un suono molto compatto e in grado di far vivere la stessa esperienza alla prima fila così come all’ultima. In sintesi, una progettazione dei sound system che profumava di esperienza e voglia di mettersi sempre in gioco.

Sónar ci lascia la testimonianza che la nostra community esiste, e lo fa in uno modo ancora straordinariamente affascinante e coeso, in grado di dilatarsi e comprimersi in base al tempo e di sapersi adattare senza mai perdere il focus – o meglio, l’equilibrio -.

La cosa bella poi, ma quella veramente, ma veramente bella per me, è che questo articolo è uscito così, con questi nomi citati piuttosto che altri, perché ovviamente sono io a scriverlo. E dove sarebbe, la cosa bella?
Beh, eccola: penso che ogni appassionato di musica, a Sónar, abbia la possibilità di crearsi il suo personale mondo, la sua personale scatola di ricordi, la sua personale scelta di artisti che dilatano e arricchiscono – di nuovo – il proprio mondo. Quindi ecco, questo è Sónar, attraverso il mio filtro personale ed è bellissimo pensare, che se passassi la penna ad un altro, racconterebbe tutto un altro Sónar.

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