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LA SILENZIOSA ESTETICA ROSA, MELÒ E APPARENTEMENTE FRIVOLA DI SOFIA COPPOLA

words: Elena Brozzi

23.05

LA SILENZIOSA ESTETICA ROSA, MELÒ E APPARENTEMENTE FRIVOLA DI SOFIA COPPOLA

LA SILENZIOSA ESTETICA ROSA, MELÒ E APPARENTEMENTE FRIVOLA DI SOFIA COPPOLA

Definire Sofia Coppola una regista è forse riduttivo, soprattutto se consideriamo come il suo intero operato artistico si avvicini più al concetto di direzione artistica globale che alla sola regia, con all’attivo videoclip, campagne fotografiche, sfilate, capsule collection e numerose altre collaborazioni di vario genere.

Del resto la carriera di Sofia Coppola non è iniziata dietro a una macchina da presa in America bensì come stagista da Chanel sotto la guida di Karl Lagerfeld; sono gli anni d’oro del brand, in cui dalla Maison passano icone di stile come Marpessa Hennink, Inès de la Fressange e Veronica Webb, che trasmettono a una giovane Coppola l’amore per quello che sarà il suo soggetto principe, ovvero il mondo melò e affascinante delle ragazze che stanno per diventare donne.

È il 1999 quando esce Il giardino delle vergini suicide, in cui le protagoniste sono le cinque sorelle Lisbon tra cui spicca Lux, interpretata da Kirsten Dunst; la loro vita è caratterizzata da una profonda angoscia adolescenziale, causata da genitori bigotti e iperprotettivi. Il loro lato puramente femminile è rappresentato con dei look minimal preppy, composti da gilet in maglia, gonne plissé e camicie bianche, utilizzati per andare a scuola, mentre all’interno delle mura domestiche le sorelle indossano abiti floreali e camicie da notte vintage che lasciano intravedere slip rosa con scritto il loro nome.

The Virgin Suicides, Sofia Coppola, 1999

Anche la stanza da letto diventa un elemento narrativo: le pareti, i mobili, i letti, tutto quanto è rosa chiaro, come a suggerire allo spettatore che una parte delle ragazze sia rimasta ancorata al loro essere bambine; ed è sempre il genio di Sofia Coppola ad inserire all’interno di questa camera surreale un crocifisso coperto da un reggiseno, sempre di colore rosa, simbolo della crescita e dell’inizio della pubertà. Non poteva mancare una colonna sonora d’eccezione: il finale tragico e dolcissimo viene accompagnato dagli Air, che cantano “I’m a high school lover and you’re my favorite flavour”.

Cinque anni dopo, nel 2003, esce Lost in translation, che oltre a rappresentare la consacrazione della regista è un altro manifesto della sua capacità di rappresentare la malinconia in modo assolutamente personale. La storia ruota attorno all’incontro tra Bill Murray, un attore in declino, e Scarlett Johansson, una giovane neolaureata già sposata e infelice. Il loro rapporto si divide tra una Tokyo allucinata piena di luci al neon e il bar del lussuoso hotel dove alloggiano, in un susseguirsi di dialoghi profondi e, soprattutto, di silenzi colmi di significato. Sofia Coppola riesce così a sublimare l’estetica della nostalgia, giocando con il contrasto tra il rosa freddo e pallido che rappresenta la città – emblematica la scena in cui Scarlett Johansson indossa una parrucca a caschetto rosa – e l’azzurro scuro che definisce i momenti di solitudine.

Per girare il film e codificare un’idea estetica precisa, il direttore della fotografia Lance Acord si è servito di una cinepresa leggera Aaton 35, proprio a suggerire l’aspetto di fotografie istantanee e per questo sfuggenti, definite dalla regista “simili al ricordo di una storia d’amore”.

Lost in Translation, Sofia Coppola, 2003

Tra tutti i film di Sofia Coppola però il più emblematico resta Marie Antoinette, dove la sua malinconia dolcissima entra in contatto con un mondo interamente patinato. La storia ripercorre la vita della Delfina di Francia Maria Antonietta, anche se il film non ambisce ad essere né una biografia né un film storico; il personaggio è piuttosto un mezzo per raccontare l’evoluzione dei sentimenti e le piccole follie giovanili. Anche qui i colori giocano un ruolo da protagonisti: l’intero film si muove su tinte pastello sui toni del rosa, dell’azzurro, del beige e del verde, che accompagnano Maria Antonietta e le sue amiche durante le loro storie d’amore nascoste, i loro calici frizzanti pieni di bollicine, i momenti topici della vestizione, tra nastri e silhouette vertiginose e rococò. I costumi, disegnati magistralmente da Milena Canonero, sono eccentrici ed esagerati, ed esprimono il lato sensuale e velatamente nascosto delle donne di corte; le scarpe sono state disegnate da Manolo Blahnik, e sono parte integrante della scenografia stessa, come parte della narrazione diventano un paio di Converse Chuck Taylor lilla, che appaiono per un fugace momento sullo sfondo a suggerire un senso di continuità con il presente. Per lo stesso motivo la colonna sonora non è quella che ci si aspetta da un film in costume, bensì una vasta selezione di brani pop e rock degli anni Ottanta – una su tutte I Want Candy dei Bow Wow Wow, che accompagna la scena in cui Maria Antonietta e le sue amiche si strafogano di dolci firmati dalla pasticceria parigina Ladurée.

Marie Antoinette, Sofia Coppola, 2006

Tutta l’opera di Sofia Coppola è quindi incentrata sul racconto di quel momento squisitamente femminile in cui le ragazze non sono più bambine ma neanche donne; il rapporto con Chanel va quindi analizzato alla luce di questo suo soggetto privilegiato, dato che Virgine Viard l’ha chiamata a ricreare la casa di una giovane Gabrielle Chanel per la sfilata Métiers d’Art del 2019. Anche le collaborazioni con brand mainstream come Uniqlo rappresentano la sua volontà di avvicinarsi a un pubblico di young adults.

Nonostante nella realtà dei fatti Sofia Coppola abbia ricevuto fin troppe critiche per la sua rappresentazione delle donne, considerata da alcuni frivola e senza spessore, in realtà la regista ha semplicemente scelto una lente diversa, proiettata su un’età in cui la curiosità, la scoperta del sesso, la malinconia, i piccoli vizi, il senso di solitudine, lo smarrimento, il voler appartenere a un mondo patinato, sono in realtà un modo di esperimere i turbamenti e i sentimenti del sesso femminile. La sua forza è quella di essere riuscita a creare una narrazione profondamente estetica, laddove per estetica si intende la capacità di attribuire all’immagine uno spessore narrativo che diventa parte integrante della storia che si racconta. Ed è per questo che anno dopo anno i suoi film risultano sempre attuali, perché ragazze di epoche diverse, a volte celebri come Priscila, a volte sperdute nella provincia americana come Lux, vivono gli stessi piccoli e grandi drammi, ovviamente tinti di rosa pastello.

Copy editing Conzuelo Fogante Translation Leonardo Carsetti

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